‘La creatividad necesita soledad’: Ran Blake

‘La creatividad necesita soledad’: Ran Blake

Uno de los maestros más importante del jazz en Estados Unidos habla de este género y su enseñanza.

Ran Blake

El concepto de ‘third stream’ que el pianista Ran Blake ayudó a crear es fundamental para entender el ‘jazz’ de hoy.

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Tomada de www.ranblake.com

Por: Juan Martín Fierro
02 de agosto 2020 , 10:50 p. m.

Ran Blake, considerado uno de los maestros más importantes del jazz en los Estados Unidos, cumplió 85 años y habla sobre cómo aproximarse a este género educando el oído.

En abril pasado, el pianista, compositor y maestro de jazz Ran Blake cumplió 85 años de edad. La celebración coincidió con los 50 años de su alma mater, el Conservatorio de Nueva Inglaterra (NEC por sus siglas en inglés), donde se creó en 1969 uno de los primeros programas académicos dedicado exclusivamente al jazz en los Estados Unidos. La idea fue de Gunther Schuller, trompetista, compositor y director, quien asumió la presidencia del NEC en 1967 y de inmediato se propuso ampliar el ámbito de estudios formales de la música clásica al campo del jazz.

Schuller también creó, en 1972, un departamento bautizado como 'third stream' (Tercera Corriente), que luego cambió su nombre por Departamento de Improvisación Contemporánea. En su metodología se combinan elementos de jazz y música clásica en el proceso formativo de los estudiantes. Ran Blake fue su primer director y desde entonces sigue vinculado a la labor docente. Uno de sus principales aportes como maestro ha sido lo que él mismo llama "la primacía del oído", ya que "la música suele enseñarse por el sentido equivocado".

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Este desarrollo simultáneo de estilo y oído pone la escucha al mismo nivel que la partitura escrita y complementa la síntesis estilística del concepto original de 'third stream', al tiempo que proporciona un entorno de aprendizaje abierto que estimula innovación e individualidad. Desde este punto de vista, educar el oído escuchando la música de otros es fundamental, no para copiar estilos sino para ir descubriendo una voz propia.

Entre los primeros maestros de jazz del NEC se destaca George Russell, músico, compositor y autor del "Concepto lidio-cromático de organización tonal", un aporte académico que influenció los trabajos modales de artistas como Maria Schneider, Miles Davis, Bill Evans y John Coltrane. Leyendas como Jaki Byard, Oscar Peterson, Dave Holland y más recientemente Fred Hersch y Jason Moran también han sido profesores allí.

Según la prestigiosa revista 'Jazz Times', "el departamento de estudios de jazz del NEC está entre los más aclamados y exitosos del mundo. Así lo demuestra la lista de artistas visionarios que han pasado por sus aulas como alumnos y profesores".

Además de contribuir como docente a la formación de varias generaciones de jazzistas, Ran Blake, nacido en Springfield, Massachusetts, el 20 de abril de 1935, tiene una destacada carrera como pianista y compositor de música para cine. Sus trabajos dedicados al cine negro y al jazz suman más de 40 álbumes en distintos formatos (es recordado su dueto con la poeta y cantante Jeanne Lee), entre los cuales sobresalen 'Sonic temples', 'Duke dreams' y 'Eclipse orange'.

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En esta entrevista, la primera que concede a un medio colombiano, Blake habla de su experiencia docente, de cómo ha evolucionado la formación de los músicos de jazz en los últimos años, y da algunas pautas sobre cómo educar el oído humano en la apreciación de este género.

¿Es posible enseñar a escuchar y apreciar el jazz?

Enseñar jazz no es más difícil que enseñar a la gente a escuchar a Schoenberg o a Andrew Imbrie. Lo que no puedo hacer es motivar a la gente a escucharlo por su cuenta. Llevo medio siglo haciendo esto, así que lo siento mucho si estoy exagerando. Yo creo que el jazz está compuesto por muchos géneros. Estamos hablando de Mahalia Jackson en una iglesia pentecostal, de Aretha Franklin en una iglesia bautista de Detroit, de Cecil Taylor creando con la orquesta de George Russell, de los experimentos de Gunther Schuller dentro del llamado 'third stream', de Louis Armstrong y de "Pinetop" Smith con el 'ragtime' y su piano primario. Pero realmente depende de cada persona el motivarse a escuchar y volver una y otra vez. Si lo hace, de ahí en adelante el camino estará despejado. El jazz, y en general la música, es un hábito que vas cultivando con los años.

¿Cómo ha cambiado el proceso creativo de los estudiantes?

Me he dado cuenta de que hoy los estudiantes pasan mucho tiempo entre sí y casi no tienen tiempo para estar solos. La virtualidad no deja mucho espacio a la privacidad. Puede ser que un baterista y un bajista necesiten camaradería, lo mismo que los cantantes y seguramente los guitarristas y trompetistas también. Pero cuando estás a solas practicando y trabajando, es mucho lo que puedes ganar e interiorizar sobre las estructuras creativas. La creatividad necesita soledad.

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¿Usted cree que el jazz es más que un género, un lenguaje o un "espíritu"? ¿Cómo definiría usted el "alma" del jazz?

Supongo que para muchos, John Coltrane es uno de esos "espíritus". Yo personalmente no tengo ninguno. Creo que Olivier Messiaen tiene "alma" cuando describe los ritmos de los pájaros de Asia. Y por supuesto sabemos que existe el alma del 'blues' y también todo lo que aportó un sello como Motown.

Cuando estás a solas practicando y trabajando es mucho lo que puedes ganar e interiorizar sobre las estructuras creativas.
La creatividad necesita soledad

¿El lenguaje del jazz puede ayudar a formar mejores personas?

No creo estar profundamente convencido de que escuchar jazz o a Olivier Messiaen te haga una mejor persona. Supongo que muchos lo dicen porque te estás tomando el tiempo de escuchar a otra persona en lugar de a ti mismo, pero realmente no lo había pensado de esa forma. Si es así, me gustaría creer que cuando estoy enojado y toco 'Strange fruit' o cuando Charles Mingus interpreta 'Fables of Faubus', la gente reacciona a la intolerancia que ahí se describe.

¿Cómo surgió la corriente del 'third stream' que fue tan importante para el desarrollo del jazz y la creación, por primera vez, de un Departamento de Improvisación Contemporánea en los Estados Unidos?

Creo que para profundizar en este campo deberías remitirte a mi libro 'Third stream and the importance of the ear'. También es importante consultar el trabajo de George Russell sobre el concepto cromático lidio de organización tonal. Gunther Schuller usó el término 'third stream' a mediados de los cincuentas en 'The New Yorker'. Reconoció que aquello existía desde un tiempo atrás y citó 'Porgy and Bess'. Creo que el concepto se ha ampliado y el resultado es mucho más flexible. Puede ser el mundo del impresionismo francés mezclado con el rap de los gánsters de Los Angeles. Puede ser el tango argentino unido a la más fría introspección nórdica. Definitivamente ha crecido mucho con los años.

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¿Cómo explicar la "primacía del oído" a la gente que no estudió música pero está interesada en entender la improvisación en el jazz?

Creo que lo más importante es el proceso, realmente escuchar cierta música, una y otra vez y guardarla en tu memoria con todos sus aspectos: orquestación, melodía, intención del compositor, el solo. Mucha gente se resiste a esto. Pero yo creo que esa es la única forma y lo mismo aplica para el cine, las matemáticas o la lectura de Toni Morrison. La primacía del oído no es solamente escuchar la música, es ser capaz de retener cosas en contexto, es improvisación, y eso toma un buen tiempo. Tener cierto conocimiento de tu instrumento ayuda, sea el piano o la guitarra, pero algunos de los más astutos escuchas de jazz y música europea no son músicos. Ellos realmente se tomaron el tiempo de escuchar a otra gente repetidas veces, una y otra vez. Como ya sabes, Gunther Schuller fue un desertor de la escuela secundaria pero mira lo que hizo. Tenía un oído mágico. Fue además una de las personas más importantes del siglo XX en el campo de la educación musical.

Creo que lo más importante es el proceso, realmente escuchar cierta música, una y otra vez y guardarla en tu memoria con todos sus aspectos

Hablemos de Jeanne Lee, Mildred Falls, Mary Lou Williams y otras mujeres importantes en su formación como pianista y compositor. ¿Qué aprendió de ellas?

Jeanne me introdujo a las sutilezas de Billie Holiday. También me enseñó piezas como 'One mint julep' y muchas canciones de R&B de la era pre-Motown que le gustaban a su padre. Jeanne tenía una gran madurez emocional y me mostró soluciones para lidiar las experiencias de la vida. Con Mary Lou aprendí el 'stride' (1) en el piano mientras que con Mildred tuve un contacto directo con el espíritu de la música góspel. Otra mujer importante fue Kate Wolff, con quien trabajé muy duro para pulir mi técnica al piano. Fueron muchas las mujeres que me influenciaron. Podría seguir dando muchos más nombres.

¿Por qué si las mujeres son tan importantes en la historia del jazz muchas siguen en el anonimato?

Creo que es porque la mayoría de los historiadores y escritores de jazz son hombres. No encuentro otra razón.

¿Quién o quiénes son sus pianistas favoritos?

Te diré quiénes son mis pianistas favoritos pero antes déjame alertarte sobre mis dos primeros instrumentos favoritos: la voz y la orquesta. Ahora, si vamos a mi tercer instrumento favorito, creo que Thelonious Monk seguido por Ray Charles fueron épicos. Esos eran dos genios. Creo que Monk habita su propio mundo, increíble, con un grupo de composiciones fantásticas, el uso del silencio, los conjuntos tonales, el 'stride', el ritmo y todo lo que hizo, así como los músicos con los que tocó. Ray Charles quizás representa la mejor tradición del blues que haya existido en más de cien años y que eso lo solidificó para las audiencias de hoy. Pero cuidado: si uno vuelve a las primeras formas de interpretación pianística del blues, encuentra que nadie puede ir más profundo que Mary Lou Williams sonando en una noche tranquila, mientras se sumerge en ese blues del pasado. Pero volviendo al punto, creo que la más grande pieza de piano es 'I should care', de Thelonious Monk, en la grabación original de 'Riverside', en la primera toma que se volvió a editar. Ahora está en 'Fantasy', con tres versiones alternativas. Creo que la forma en que termina la pieza, con una nota suspendida, la forma en que la armoniza, la manera en que entra y sale del ritmo, el uso del rubato y lo que llamamos el ritmo, es propia de un genio de alto vuelo. Es 'high bebop'.

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Y hablando de voces ¿cuáles prefiere?

Amo a muchos cantantes pero me quedo con Jeanne Lee, Mahalia Jackson, Chris Connor, Ray Charles, el joven Al Green, Stevie Wonder, Abbey Lincoln, y por supuesto, Billie Holiday y Sarah Vaughan.

JUAN MARTÍN FIERRO
Periodista, abogado e investigador musical
En Twitter: @jmartinfierro

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