En el primer piso de la galería Nueveochenta hay once portadas gigantescas: reproducciones de la revista DONJUÁN, portadas de Ana Sofía Henao, Verónica Orozco, Anitta, Violeta Vergonzi o Valerie Domínguez, intervenidas con manchas de color, grafiti y patrones impresos. Todas hacen parte de la exposición ‘DONJUÁN In Situ’, del artista bogotano Fernando Uhía. Sin embargo, hay mucho más: para observar la obra completa hay que explorar todos los rincones de la galería hasta encontrar las ruinas, de los lugares donde se hicieron las pinturas.
La obra de Fernando Uhía ha sido un diálogo constante entre el arte, los medios de comunicación y el consumo cultural. En Las chicas de Baldessari, una obra de principios de los años noventa –cuando era un estudiante recién graduado– les puso pequeños puntos de color a cuatro modelos de un afiche erótico callejero. Luego, en esa misma línea de hacer que el arte conversara con los medios, aparecieron obras como ‘Masa crítica’ –ganadora del premio Luis Caballero en 2007–, en la que hizo un montaje sonoro con el audio de películas de acción para crear, en palabras del artista, “el sonido de un macho global”. Después, en ‘Fútbol, tenis, carros y otras cosas de hombres’ tomó referencias de colores que aparecían en transmisiones de partidos de fútbol, de tenis y de carros que vio en una feria del automóvil para hacer representaciones cromáticas en lienzos gigantescos.
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Uhía nació en Bogotá en 1967 y desde que era estudiante de artes plásticas se sumergió en el trabajo de los artistas que redefinieron el arte popular en Inglaterra y Estados Unidos, como Jasper Jones y Eduardo Paolozzi. En 1989 ganó un Salón Universitario de Artistas, en 1993 se fue a Nueva York para conocer la obra de Jackson Pollock y de Cindy Sherman con una beca que le dio el Banco de la República, luego hizo una maestría en el Instituto de Arte de San Francisco, en Berklee. Actualmente es profesor en la Universidad de Los Andes y después de clases sale a trabajar en su taller, en Teusaquillo, donde pinta hasta la madrugada. En un WhatsApp, con una foto de un lienzo y muchos tubos de colores acrílicos, Uhía me escribió: “Soy esclavo de los tubos… De color”.
¿Cómo llegó a la idea de ‘DONJUÁN in Situ’?
Todo empezó con un viaje a Tierradentro y a San Agustín. La galería Nueveochenta tiene unos espacios que me parecieron similares a los que vi en esas tumbas, sobre todo en Tierradentro. Allí, en los hipogeos, uno se siente como en una célula gigante, todo está oscuro pero las paredes tienen unas pinturas increíbles y uno dice: “¿Cómo hicieron esto?”. Eso me dio la idea de convertir el lugar de exposición en mi taller y de dejar visible el lugar donde se hicieron las obras. Ahí mandé a imprimir las once portadas y fui planeando las intervenciones utilizando las maderas de los guacales y la tela que se usa para envolver las obras en la galería. Después chorrié la pintura en cada cuadro, pero ahí jugó el azar: quedaron unas manchas inmensas y en algunos casos la pintura tapó partes de la carátula que yo no quería tapar, pero quedó así. Después bajamos las carátulas y reacomodamos los materiales. Finalmente, abajo quedaron las obras, la belleza, pero arriba quedó el lugar, el nido de donde salió todo.
¿Se clasificaría como parte del ‘pop art’?
Yo no pienso en ‘pop art’ ni nada de eso. Lo que sí le puedo decir es que el ‘pop art’ es increíble: Warhol cortó con Dios, cortó con la fe y mandó un mensaje que es que todo puede ser materialista. Él decía: “Lo que me interesa es que todo puede ser visto”. Y eso termina en que incluso dentro del materialismo hay un tipo de espiritualismo. Eso es lo que a mí me gusta lograr en mis exposiciones.
¿Cuándo empezó a pintar?
A mí me echaron de muchos colegios de Bogotá. Pasé por los gimnasios, los sanes, no voy a decir nombres, y encontré que una manera de ganar plata era vendiendo las planchas para los ejercicios de dibujo. En esa época, en las clases de artes y de dibujo, no nos ponían a crear sino a copiar de un libro unas figuras tridimensionales de dibujo técnico. Yo las copiaba igualito y se las vendía a mis compañeros a cinco pesos.
Yo no pienso en pop art ni nada de eso. Lo que sí le puedo decir es que el pop art es increíble: Warhol cortó con Dios, cortó con la fe y mandó un mensaje que es que todo puede ser materialista
¿Qué edad tenía cuando vendió su primera obra?
Como 25: era una tela grandísima, como de 1,50 x 3 metros. Era una refiguración de Jasper Jones, que hacía obras con letras y números, entonces yo hice una regleta… No tenía ni idea de cómo hacer una y en esa época no había cortes de láser, entonces la corté a mano. La obra era tan bonita que me invitaron al Salón Nacional de Artistas de 1992, que al final ganó Nadín Ospina. Pero me acuerdo de que la gente se quedaba mirando mi cuadro y decía: “Es buenísima”.
La muestra mantiene un diálogo entre el arte y los medios de comunicación. ¿Cuándo se interesó en ese tema?
Yo había hecho cosas con medios desde el 92, con unos ‘collages’ donde metía marcas y se regalaba un producto, como una promoción inventada. Pero a las revistas llegué antes: mi papá iba mucho a España porque trabajaba con editoriales; en mi casa había colecciones de revistas para hombres como ‘Interviu’ o ‘Playboy’, pero también argentinas como ‘Billiken’. En la portada de una revista para hombres hay un contraste de mundos que me parece interesante para el arte: una modelo, pero también se anuncian carros, conciertos, buenas crónicas, muchísimos ámbitos simbólicos diferentes. Pero muchos artistas que admiro han trabajado con esos temas: en Londres, Eduardo Paolozzi coleccionaba carátulas de revistas o portadas de libros muy del estilo pulp, pero también están Warhol y Mel Ramos.
¿Cómo escogió los colores para intervenir cada una de las portadas?
Fue a puro ojo. Yo llegué a Pintuco y ellos tienen una máquina digital para elegir los colores. Es raro porque nunca va a ser posible que el color sea digital, pero ellos sí creen posible. Tenía muestras de las portadas y yo ya sabía con qué color quería trabajar cada una, entonces ellos cuadraron los valores y lo mezclaron. Cada portada se llevó un galón e hice cuatro chorriones en cada una de las pinturas, ni más ni menos.
En esa preparación computarizada del color, ¿no hay una tensión con ese azar del que hablaba?
Eso me interesa mucho porque son decisiones que están racionalizadas en todos los aspectos: todas las decisiones del diseño de una carátula están bajo control, pero acá también hay muchas intervenciones sin algoritmo. A mí me encanta el diseño y no creo que el diseño sea mejor o peor que el arte, pero sí me parece que en el mundo ha ido ganando el terreno del diseño. Hay gente que trata de hacer arte y sale haciendo cosas chiquitas. Pero en obras como estas yo creo que sí se está fundiendo algo: un diseño grande, ambicioso, y la pintura del arte grande, imponente.
Galería Nueveochenta
Diagonal 68 No. 12-42
Bogotá. Tel. 6495478
JOSÉ AGUSTÍN JARAMILLO
Editor de DONJUÁN