INCESTO ACADÉMICO

INCESTO ACADÉMICO

Aclaremos de entrada: una estética normativa es aquella que dicta normas a los artistas, les señala pautas, les impone criterios. En la reciente Bienal, con estupor y alarma, constatamos que un comité curatorial le estuvo diciendo a los artistas lo que deben hacer, o sea, no se están encargando de teorizar unos hechos plásticos, sino de producirlos a través de algunos artistas que ilustran sus planteamientos.

23 de febrero 2003 , 12:00 a.m.

Aclaremos de entrada: una estética normativa es aquella que dicta normas a los artistas, les señala pautas, les impone criterios. En la reciente Bienal, con estupor y alarma, constatamos que un comité curatorial le estuvo diciendo a los artistas lo que deben hacer, o sea, no se están encargando de teorizar unos hechos plásticos, sino de producirlos a través de algunos artistas que ilustran sus planteamientos.

Para un artista joven que está que con dificultad empeñado en aproximar resonancias interiores con la exterioridad del mundo, esta frase de Jaime Cerón: Construir o imaginar los factores que han llevado a una degradación y buscar alternativas para restituir una dignidad cultural perdida es una tarea que debemos asumir colectivamente. , le plantea un programa de trabajo que seguramente lo lleva a una obra literal, a buscar el chispazo que complazca al crítico, a llegar al acierto, no a un proceso evolutivo de transformación y acercamiento al mundo real.

Fernando Escobar, por su parte, anota respecto al arte que: sí señala que se puede comprender como una respuesta histórica a una disfunción del sistema social actual, entendiendo el sistema como una construcción finita opuesta a la noción de estructura, que en cambio no tiene límite. O sea, que encuadra el arte en una dirección que supuestamente es la correcta, y ya sabemos que cuando el arte sigue un derrotero trazado, sucumbe estruendosamente en el panfleto.

Igualmente Ana María Lozano, propone un tema, algo impensable hoy: proponemos una puesta al día de problemas acuciantes hoy, el primero de los cuales es posiblemente, la cotidianización de la muerte. Si Cerón señala lo que se debe construir, Escobar lo que se debe responder, Ana María lo que se puede tematizar, Fernando Uhía va más lejos, señala idea, tema y contexto: Así que, éticamente, las funciones que corresponderían al artista colombiano contemporáneo, estarían orientadas por la acción social, materializadas desde estrategias como el reconocimiento y la participación en las atmósferas donde se desarrollan las actividades humanas.

Dejemos la estética normativa, y pasemos a un segundo punto no menos escandaloso. En su ofuscación por ser patéticamente contemporánea, la Bienal dio un paso atrás y utilizó dos estrategias típicamente modernas: la reacción y el manifiesto. Todos sabemos, como dijo Lyotard, que el pensamiento posmoderno es diferencia sin oposición. El rechazo de la tradición es otra forma de tradición. El contenido del texto del catálogo, y el tono de la Bienal en teoría , por su elocuencia y énfasis, están irremediablemente ligados a la forma manifiesto . Los manifiestos de los ismos de las vanguardias modernas, a nuestros ojos hoy, son excluyentes, unidireccionales, nítidos, descalificadores. Todo lo contrario del pensamiento actual: opacidad, ambiguedad, alteridad, otredad, polisemia, multiversalidad.

Y sorprende, un tercer aspecto: cómo puede un comité curatorial estar integrado por personas que tienen ideas afines, que están en el mismo viaje, que pertenecen a la misma cuerda? En una especie de incesto académico, sin el más mínimo rubor, todos se citan unos a otros, y para ser coherentes con esa unanimidad, todos tienen el mismo héroe: Hal Foster. Además, y no menos inquietante, como todos los integrantes del comité son del Distrito Capital, un enviado especial visita las regiones, y obviamente, es tomado por asalto por determinado grupo de artistas que hace desaparecer sus colegas.

Entremos ahora en un cuarto aspecto que pertenece específicamente a la disciplina artística. El montaje de la Bienal adoleció de un concepto fundamental a las artes visuales: el concepto de espacio. Todo trabajo artístico genera un espacio de visibilidad que es la mediación entre un artista que produce, una obra que significa y un público receptor. Si el montaje no crea complicidad entre arquitectura, espacio y obra, el trabajo de arte permanece ensimismado, ajeno a ese vacío significante y espacial que lo abarca y lo expresa.

De veinticinco trabajos encontramos nueve que realmente configuran un espacio que convoca al autor, la obra y el público, un espacio que no se deja enganchar en el falso espejo de la actualidad, imponiendo su propia presión hasta alcanzar la configuración que evita el acontecimiento vacío, marchando en una dirección diferente a la imagen narcisista imperante hoy. Son obras que levantan un espacio a través de operaciones formales, (la forma es inherente a la disciplina artística, no nos dejemos obnubilar por las pataletas antiformalistas) concretadas en un material (sí porque el arte es materializacion sensible, sin esta materialidad el arte sería sólo idea, es decir, filosofía) y a través de dispositivos intelectuales (conceptos).

Las obras que levantan esa exterioridad, que hacen visible ese espacio de lo indecible, son: Instantáneas de Pablo Adarme, La vida es una pasarela de Jaime Avila, Aroma de cartucho de Andrés Burbano, Efluvios de Johanna Calle, Funnels-embudos de Andrés Duplat, Color que soy de Delcy Morelos, Biografías de Oscar Muñoz, Nowadays de Miguel Angel Rojas y Echando lápiz de Manuel Santana y Graciela Duarte. Nueve obras de veinticinco, un 36% del total. Pobre balance.

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