El resultado es un video que los lectores podrán ver en eltiempo.com, en el que además, el artista quindiano cuenta, con la calidez que lo caracteriza, momentos de su vida y sus próximos proyectos, como los montajes en gran formato 'Poniente' y 'Puerta norte', que siempre lo remite uno de los mayores regalos que le ha dado la vida: la arquitectura.

"Yo trabajaba carboncillo, acuarela, cuando con arquitectura empecé a encontrar toda una visión mayor de la relación del hombre con su entorno, con su paisaje urbano, entonces la arquitectura me amplió la visión del formato visual", explica Zapata.

El primero es una estructura de 365 columnas de basalto con un corte diagonal en la parte superior, como si estuvieran 'mirando' al poniente. "Es una especie de ejército de columnas en un espejo de agua grande, que estará ubicado en la Casa de la Moneda. Es un regalo del Banco de la República para Bogotá", explica.

Por su parte, 'Puerta norte' se encuentra en Bello (Antioquia). "Son ocho elementos que a lo lejos se ven como una puerta, en forma de planos con cortes diagonales, que se mueven con el sol", dice Zapata, cuya agenda de exposiciones lo llevará este año a Chile, Buenos Aires, Nueva York y Miami.

En este acogedor encuentro hubo tiempo hasta para hablar de los gustos mundanos.

¿Que escultores le gustan?

Isamu Noguchi y Henri Moore

Y pintores...

La obra de Matisse es de una abstracción, de una capacidad lírica y un manejo de la forma impecable.

¿Cuál es su parte médico del arte colombiano?

Es brillante. Colombia es un país, en Latinoamérica, que marca una pauta en arte, es muy abierto y la gente joven está inspirada.

¿Cuál es su música preferida?

A mi me gusta todo lo que se ha escrito para el chelo, porque lo siento como lo más cercano a la voz del hombre.

¿Qué lee?

Tengo unos libros mimados que leo y releo por partes. Y claro, la poesía, que ha sido de gran inspiración. Los versos de Cavafis o Baudelaire.

¿Uno de sus platos preferidos?

El beef vietnamita (pequeñas lajas de lomito en una salsa de limoncillo).

¿Un licor?

El Whisky

Un país

La China

¿Qué hace en sus ratos libres?

Ponerles plátanos a los pájaros y comida a las ardillas.

Y aunque hubieran podido optar por rumbos profesionales diferentes, los 'Quinteros' (su nombre artístico) sintieron desde temprano una particular sensibilidad por el arte. Hoy, a sus 28 años, trabajan sus cuadros a cuatro manos, en un pequeño taller en la localidad de Cota, en cercanías a la capital.

"Desde niños ayudábamos a mi mamá en la preparación de las telas, de los colores y se nos permitía pintar algunos fondos", recuerda Camilo, quien junto a su hermano, inauguran este 11 de marzo, en la Galería Skandia de Bogotá, su trabajo más reciente denominado 'Ciudad del inconsciente'.

En esta muestra, los artistas continúan la exploración de sus "ciudades abstractas", proyecto que vienen desarrollando desde hace cinco años y cuya exposición anterior, en la Fundación Santillana, giró en torno al concepto de 'Ciudades cálidas'.

"Esta exposición la llamamos 'Ciudad del inconsciente' porque los habitantes muchas veces no son conscientes de lo que tienen a su alrededor", explica Camilo. "Luego de analizar la ciudad, nos interesaba mucho ese proceso de transformación que sufre en dos sentidos: no solo la pérdida del campo sino cómo la misma naturaleza se impone en la ciudad. Cómo la maleza comienza a apoderarse de las calles o la indigencia la interviene", explica a su turno Federico.

Los hermanos Gaitán Quintero estudiaron diseño en Taller 5 y han tomado clases particulares de pintura con los maestros Guillermo Quintero y Rodolfo Sánchez. Desde 1999, han participado en exposiciones individuales y colectivas en Alemania y Bogotá; y acaban de ganar una beca para continuar trabajando en el tema de ciudad este verano en Mirador de Jucar, en la provincia de La Mancha (España).

"Al compartir no solamente el gusto por el arte sino el taller, varios de los cuadros los trabajamos a cuatro manos. Es un trabajo de mucho diálogo. Nos ha ocurrido que a veces cuando uno de nosotros está solo en el taller, muchas veces se anticipa al sentimiento que tenía el otro, bien sea con colores o texturas", explica Federico, al destacar que obviamente cada es un mundo diferente.

"Yo no puedo con la piña y la ciruela y esas son las frutas que más les gustan a Camilo. Yo soy más explosivo mientras que él es un poco más introvertido", anota.

GALERÍA SKANDIA, AVENIDA 19 No. 109A-30 (BOGOTÁ). DEL 11 DE MARZO AL 11 ABRIL DE 2010. HORARIOS: 8 A.M. - 7 P.M. TELÉFONO: 658-4000.

Los gemelos 'Quinteros' trabajan en su pequeños estudio en la localidad de Cota (Cundinamarca).

Otros artistas de la muestra
En 'Crónica 1995/2005 de Juan
Gallo' se pueden apreciar obras y fragmentos de series de artistas como Adriana Duque, Ana Claudia Múnera, Ana Patricia Palacios, Delcy Morelos, François Bucher, Fredy Serna, Gabriel Sierra, Johanna Calle, José Alejandro Restrepo, José Antonio Súarez Londoño, José Horacio Martínez, Juan Fernando Herrán, María Teresa Hincapié, Mauricio Gómez Jaramillo, Miguel Ángel Rojas, Oscar Muñoz, Patricia Bravo, Rodrigo Facundo, María Elvira Escallón. Maria Jose Arjona, Libia Posada y Néstor Gutierrez
 

'El bosque II y lo que crece', agrupa dos tendencias. 'El bosque II' es una suerte de continuación de una obra que ha venido realizado por décadas y que nunca acaba. Son óleos (también mezcla acrílico, y petróleo, entre otros materiales) en telones grandísimos, de tres metros y hasta cosidos que pintó hace años y luego guardó en bodegas de Nueva York o Europa, para luego volver sobre ellos y pintar lo ya pintado.

Con el negro en distintos tonos, se pueden advertir ramas y formas que recuerdan los árboles. Todo deja ver la fuerza de la mano, del negro y de los años que han pasado las telas en algún lugar. En 'Lo que crece' el asunto es totalmente diferente. Cuadros en un formato más convencional, pero cuya elaboración arrancó desde un computador. Naturaleza hecha con flores que revientan en colores vivos, donde el negro ya no se destaca. Destellos que podrían ser de arte electrónico -ese que muchos creen exclusivo de los más jóvenes- pero en el que se reconoce la mano de un hombre que ha vivido y pintado mucho, aunque aparenta 15 años menos de los que tiene.

"No me molesta cuando me llaman ecologista, si la vida lo lleva a eso a uno", dice. Cuenta que en las afueras de Caracas sembró un bosque de cuatro hectáreas de manera que se viera la lucha entre las plantas y quedara como un monte. "Eso, se expresa en la obra, no como un manifiesto, porque todo manifiesto y toda verdad única son falsos. Pero en la obra se ve lo que te gusta y todo lo que te gusta ya está en ti antes de que lo veas", dice, reflexivo,
Borges.

La fuerza en el uso del material y del negro en sus telones es evidente. "Las artes visuales tienen algo físico, así parta de lo mental y he tratado de que eso aparezca en la obra. Por eso mi trabajo no es tan abstracto, es físico", dice.

Al pintar, parece que se divide en varias partes: el que hace y el que destruye, el que crea y el que 'escucha' la obra: "Me gusta destruir más que construir. Hay fotos de cuadros que ya no existen porque pinté sobre ellos. Para mí es imposible no modificar. Uno se deja llevar por el subconsciente y así halla el camino. El problema es cuando uno se equivoca. Si uno no oye el material, está solo"; dice.

Con el computador parece otra cosa. Hace años, lejos de algún arrebato subconsciente, llegó al colmo de lo racional. Como los computadores no existían en los escritorios, ensayó con 40 estudiantes -que casi enloquece- a pintar una pared cuadro por cuadro añadiendo o sustrayendo una gota de un pigmento puro de manera metódica hasta llegar al blanco.

Ahora, trabajar con el computador lo sumerge en otra parte de sí. "Empiezo en el computador y paso a lo análogo. Hay tanta compenetración, que cuando estoy pintando en el programa, a veces salto pensando que me voy a manchar. Al trabajar así, pierdo el sentido de lo material. Yo tengo en mi mente la proyección de lo que voy a hacer. Cuando tenga 110 años y no me puedo mover, y me quedo ciego, voy a poder hacer pinturas a partir de lo que tengo en mi cerebro, sin moverme y, si eso es posible, está bien", concluye. 

El montaje o  'E nsayo triple ' , como Greenway lo ha denominado, estará basado en tres elementos: el primero es un análisis  de las imágenes de las obras de Botero en el Museo de Antioquia. El segundo es el video de una entrevista personal que Greenaway le hizo a Botero hace un mes ,  en Francia, y el  es una puesta en escena realizada con un grupo de artistas holandeses a partir de una pieza o serie específica.

 El resultado final  de  esta instalación sólo se conocerá en la inauguración ,  el 19 de marzo ,  como parte de la programación cultural de los Juegos Suramericanos . Estará expuesta hasta el 4 de abril . La exposición  será en  la Sala Internacional del Museo de Antioquia .  El valor de la entrada será de 5 mil pesos.

Negocio en ascenso
Las cifras alcanzadas pueden parecer escandalosas, pero para los especialistas son el resultado lógico de una industria con décadas de cultivar fanáticos. Una que, repudiada en los años 50 y 60, se potenció en los 70 y hoy se asocia con las grandes  productoras de Hollywood en películas y aporta millones de ganancias en juguetes, figuras de colección, camisetas y otros recuerdos.
Pero ¿cómo llegan dos revistas que costaron 10 centavos de dólar a valer 70 años después más de un millón? Para Ben Smith, Cum Laude de la Universidad Georgetown y vicepresidente de ComicConnect, la empresa que vendió el número uno de
Superman, hay varias razones. "'Action Comics de junio de 1938 trae la primera aparición de  Superman. Antes no había ningún superhéroe. Luego salieron la Mujer Maravilla, Batman, Linterna Verde, los Cuatro Fantásticos, pero Superman definió lo que sería un superhéroe. De esta manera, esta revista se volvió muy cara.
Se estima que hay 100 copias de este número todavía, pero la que vendimos estaba en una condición excelente. Fue calificada con ocho puntos sobre diez en nivel de conservación. Lucía prácticamente nueva, linda", dijo a EL TIEMPO.

Pero pagar un millón de 'verdes' por una revista que, probablemente, no se leerá (una arruga en una hoja puede significar miles en perdidas) solo se justificaría por una inversión. Para Smith, los cómics son un buen ramo para invertir, más en épocas en las que las acciones sufren taquicardia y la propiedad raíz se tambalea.

"Algunos ponen su dinero en propiedades o en oro y otros invierten en cómics porque es un producto en el que su dinero está seguro. Es un buen producto para invertir. Puede no tener la misma liquidez de otros mercados en el sentido de vender y comprar, pero hay una gran cantidad de gente que compra cómics y tiene dinero. Entonces, la gente comprará un cómic con la idea de que diez años después pueda obtener más dinero", dice el vicepresidente de ComicConect.

Jeff Vaughn, editor asociado de Geppi's Entertainment, familia de compañías dedicada a la comercialización de artículos 'vintage' de la cultura 'pop', entre ellos cómics, revistas, libros, juguetes y juegos, está de acuerdo en que el mercado es bueno. "Sí hay inversionistas -no demasiados- pero, con el crecimiento de los precios en los últimos años, ha empezado a llegar gente que busca invertir en cómics de la misma manera que lo hacen con obras de arte. Claro, el crecimiento no es igual en todo y la mayor parte no es tan grande (como con las marcas de Batman y
Superman) pero hay una tremenda estabilidad y es buena inversión para la gente".

No todo lo que se lee es oro
Pero un superhéroe solo no forma un mercado y para alcanzar estas cifras altas tiene que haber mucho movimiento, el cual existe porque la gente ama los comics y porque hace años entendieron que podría haber un buen negocio ahí.

"En Estados Unidos, la generación actual creció con los personajes de los cómics. Personajes como
Supermán tienen un gran significado para millones y millones de personas. Es un icono y creo que es solo una razón para ver tanto dinero que va a parar en el mercado del cómic", opina Smith.
Pero para que haya un gran negocio, por lo menos por ahora, la revista tiene que ser en inglés y publicada antes de 1970, cuando leer cómics en E.U. no era bien visto, según explica este especialista: "En los 70, las personas empezaron a escuchar historias de las cartas coleccionables de béisbol de Mickey Mantle, que costaban mucho dinero, y se preguntó cuanto dinero podría obtener por los cómics de los años 40. 'Ahora deben valer mucho más', se dijeron y empezaron a coleccionar".

Para ese entonces ya había pocas revistas 'vintage' en buen estado (de la década del 30 hasta los 70) entre otras cosas porque, en los años 50 se desató una persecución pública contra los cómics. "Un siquiatra llamado Fredric Wertham, escribió el libro 'Seducción de la inocencia' y en él advertía que las enfermedades sociales como el crimen, robos, violaciones y asesinatos eran causados por los cómics", explica entre risas Smith. Por ser mal visto leerlos, la gente limitó la compra de cómic y no los guardó, y por ese motivo las revistas de  Supermán y Batman son tan escasas.

Quienes empezaron a coleccionar en los 70 empujaron la industria del cómic porque se vendieron miles de copias de historietas. Pero hay una ironía: "Diez años después, muchos quisieron venderlas, pero no estaba el mercado porque había millones de personas tratando de vender la misma revista y, probablemente, no había la misma gente tratando de comprarla", cuenta el especialista en cómic.

El negocio se estabiliza
Si bien el mercado es variable, el monto de las transacciones no es para ignorar. "No hay un precio promedio para un cómic 'vintage', porque hay muchos detalles para tener en cuenta -dice Vaughn-. Unos tienen muchas copias, lo que hace bajar el precio, pero hay personajes que son muy queridos por la gente y eso hace que suba. Algo típico es la primera aparición del personaje: eso hace que le precio ascienda. Hay revistas de los 50 y 60 que son más caras que las de los 40. Depende de si el personaje es popular, si hay copias disponibles y si los coleccionistas quieren un determinado número o no".

Los dos están de acuerdo en que sí hay mucha gente buscando revistas raras y que, de hallarlas, van a pagar por ellas. En cuanto a si se romperá la marca que tiene el número uno de 'Detective cómics', las opiniones están divididas.
"Creo que los precios se incrementarán porque es posible que gente que compró hace unos 15 años quiera hacer algún dinero -dice Smith, al referirse a revistas 'vintage'-. Desde que se vendió
Supermán, muchos han hablado con nosotros para vender. También hay un gran interés de inversionistas que buscan la próxima primera copia de Batman y Supermán y que pueden pagar por ellas. Nos han dicho que los ayudemos a encontrarlas y nosotros tenemos todo un mundo para eso, porque tenemos 25 años de relacionarnos con coleccionistas. Espero que ese récord se pueda superar en un futuro muy cercano".

Vaughn piensa distinto: "La única manera de que ser rompa pronto el récord actual es que los mismos cómics, pero con mejores copias, estén disponibles. Creo que hay solo cuatro o cinco copias en el rango de un millón de dólares. Pienso que el récord estará seguro por un buen tiempo".

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Coleccionar en Colombia
El problema de los coleccionistas en Colombia, si se quiere ver como inversión de dinero, es que el mercado en idiomas distintos al español no existe, si bien Jeff Vaughn, especialista de de Geppi's Entertainment, dice que en el futuro, debido a la posibilidad de Internet de comunicar a coleccionistas, habrá un mercado interesante para cómics de superhéroes de Estados Unidos en otros idiomas.

Según dice Carolina Gómez, de la Librería Francesa, de Bogotá, repleta de superhéroes de E.U., mangas japoneses y hasta cómics europeos, uno de los problemas de los fanáticos es que a Colombia no llegan los primeros números de las revistas.
"Algunos importadores traen los sobrantes de México, por ejemplo". Otro problema es que coleccionar resulta caro. "Mientras en Estados Unidos una revista cuesta tres dólares, en Colombia puede costar veinte mil pesos porque para efectos de impuestos, el Estado puso a los cómics en el mismo rango de las revistas pornográficas, por lo que pagan 16 por ciento de IVA", dice Carolina.

Según considera, el Estado pierde una oportunidad de fomentar la lectura entre la gente. "Muchas personas aprenden a leer con los cómics. A la librería llegan de los colegios bilingües a averiguar por revistas de estas para aprender inglés, por ejemplo. Además, cuando lees un cómic utilizas distintas funciones del cerebro: una para entender el texto y otra para entender las imágenes. Todo esto estimula la lectura", sostiene.
 

A primera vista, muchos tienden a hablar de abstracción geométrica -según explica- pero ella prefiere hablar de una abstracción de color.

Esa clasificación resulta comprensible al ver sus cuadros en acrílico de gran tamaño en los que el color aparece en áreas definidas con triángulos o rectángulos.

Pero el asunto queda esclarecido para el espectador cuando ve, en una de las dos salas de la exposición, varias series de pequeños cuadros que muestran el proceso que Sanín realizó para llevar a feliz término la obra final y, siempre, en gran tamaño.

Son trabajos que cambian de color, uno tras otro, y que muestran la búsqueda de la composición deseada. "Empiezo con estudios en papel que varían en el color, aunque, en ocasiones, quedan los mismos elementos", dice, lo que ratifica que su búsqueda es más de tonalidades.

Para hacer una obra puede invertir tres semanas mezclando y buscando la armonía en la composición y los colores deseados. Una vez hallados, puede estar otras tres semanas pintando el cuadro, pues no permite que nadie toque su obra. No emplea asistentes, ella misma enmascara, toma las medidas y pinta.

"Empiezo a trabajar en el cuadro en blanco. Pienso que es algo parecido a la manera en que un músico usa las notas. Él logra una composición mediante sonidos que existen. Así son mis cuadros. No existe un significado más allá de ellos", explica.

Sus piezas se pueden asimilar a una sinfonía de color, que es distinta según las crea a partir de su propia paleta.
"Mis obras son planas, pero no son frías. No es arte geométrico porque color y forma van juntos", sostiene.

La planificación para lograr una composición que la satisfaga es evidente. Se nota que el azar está lejos de vivir en el taller de Sanín y que cada cuadro es fruto de un trabajo intenso. Reconoce que hay un placer al encontrar el color que busca e incluso al aplicarlo pero advierte que su obra dista mucho de ser un juego.

En ese sentido, su búsqueda requiere de meditación y honestidad para alcanzar el punto correcto, el que cada obra requiere. "La gente dice que tengo un trabajo divertido. Yo trabajo como cualquiera, de 9 a.m. a 5 p.m., todos los días. Uno, claro, conoce el lenguaje del color, pero se gasta horas de trabajo para hallar lo que uno quiere. Esto es angustioso. Y lo es porque, en el fondo, cada obra es la expresión de uno mismo".

Abstracta desde siempre

Fanny Sanín egresó en 1960 de la Universidad de Los Andes, en Bogotá. Viajó a Londres donde estudió grabado. Inició su vida artística como pintora abstracta, pero de una manera libre en el sentido de que en sus obras no se podían reconocer figuras geométricas claramente. Participó en el Salón Nacional de Artistas de 1962 (también en el de 1974) y luego se mudó a México, donde empezó a hacer un nombre. Luego fue invitada por Marta Traba para exponer en Bogotá. En Colombia ha participado en exposiciones colectivas e individuales en distintas ciudades. Ha expuesto, además en Caracas, Londres y Estados Unidos. Reside en Nueva York.
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Exposición de
Fanny Sanín. Alonso Garcés, Galería. Carrera 5 No. 26-92, La Macarena.  

Castella se encerrará con seis toros en un evento previsto para el jueves de la Ascensión, cuya recaudación se destinará a las víctimas del reciente terremoto en Haití, que a principios de año causó unos 220.000 muertos.

Según un comunicado publicado este martes en Madrid, será la primera vez que Botero, pintor y escultor de personajes con formas generosas, dibuje un torero como principal motivo de un cartel para una corrida. Anteriormente, ya había dibujado carteles para las ferias de Madrid, Sevilla o Pamplona.

La corrida organizada en Nimes debería permitir reunir alrededor de un millón de euros (1,3 millones de dólares) para las víctimas de Haití, según Simón Casas, gestor del coso nimeño.

MADRID
AFP

El cuerpo precolombino
La exposición en el Museo del Oro hace énfasis en las distintas modificaciones del cuerpo en varias culturas precolombinas, según explica María Alicia Uribe, arqueóloga que  curó la exposición. "Está centrada en la pintura, las perforaciones, deformaciones de cráneo o de músculos -como los brazos y piernas-, las adherencias a la piel  de elementos como las plumas, el polvo de oro o las motas de plantas y los aromas".

Alrededor de 400 objetos pertenecientes a culturas antiguas que habitaron lo que hoy  es Colombia estarán exhibidos. La mayor parte pertenecen al Museo del Oro  y al Instituto Colombiano de Antropología

Se exhibirán piezas de orfebrería, cerámica, madera y  piedra y objetos, muchos de ellos encontrados o que llegaron a la colección en los años 40 y 50.
"Es una mirada dentro de un contexto distinto al actual. Es claro que el  tratamiento al cuerpo de hoy en la sociedad occidental  no es el de otras sociedades, ni desde lo físico ni desde el pensamiento, ni cómo se modifica, se usa y se expresa", dice la curadora.

Recuerda que el cuerpo es fundamental en la identidad de las personas y que cada cultura asume posturas distintas.
"Se puede ver el uso de pigmentos, pro ejemplo, la jagua en los embera, que tiñe de negro la piel- o los rojos usados en el Amazonas. El cuerpo siempre revela cambios importantes en las personas, como el paso de la niñez a la adultez, la muerte y también los ideales de belleza y de seducción".

Las mujeres wayú al dejar la infancia y en la búsqueda de la belleza -dice la antropóloga-  se cubren el pelo con un pañuelo para que se hiciera negro y brillante; eran cubiertas con mantas para alejarlas del solo y mantener la piel clara y se pintaban la cara con diseños en espiral "para enamorar".

Los tikuna (del Amazonas) practicaban la 'pelazón' de la cabeza cuando la niña se volvía mujer y, en algunas culturas, los hombres eran flagelados tan fuerte que quedaban marcas en su piel, que los identificaba como adultos y llevaban con orgullo.
La exposición estará abierta hasta el 29 de agosto. El acceso al Museo del Oro requiere el pago de una boleta. Informes en  http://www.lablaa.org

Un cuerpo para exponer
Un diálogo entre las ideas del cuerpo en las obras de arte y objetos coloniales con el arte contemporáneo fue la tarea emprendida por el profesor de historia del arte Jaime Borja y el artista Alejandro Restrepo. 

Pese a lo que se pueda creer, la diferencia de las miradas en esas épocas no resultó tan radical, como podría pensar quien, a primera vista, pretenda comprar, digamos una virgen colonial, con lo que se ve hoy. La razón, explica Borja, es que se tiende a pensar en lo contemporáneo solamente como los últimos años -de gran destape y hedonismo- y no como el resultado de un proceso en el que la mirada al cuerpo ha cambiado paulatinamente. 

La mayor parte de las 160 obras que estarán expuestas en los pisos dos y tres del Museo de Arte del Banco de la República fueron creadas en el período de la Nueva Granada, aunque hay, también, algunas pinturas europeas. Si bien muchos objetos de arte pertenecen a la colección del Banco, la mayoría -según el cocurador- provienen de colecciones de Francia, Estados Unidos, Argentina y Venezuela, entre otros países.

La exhibición se enfoca en cuatro aspectos: 'Cuerpo fragmentado', 'Cuerpo mortificado', 'Cuerpo oculto' y 'Cuepro expuesto'. En un mismo espacio se puede ver un video actual y un un ícono colonial, ambos enfocados en alguno de estos temas desde dos momentos distintos y diferentes concepciones del   mundo.
Una cosa es, por ejemplo, la desnudez tratada en una obra que evoca al purgatorio y otra cuando se ve en el cuadro 'La violencia', de Obregón o  en una obra de Debora Arango.

"Las reliquias se veían en la Nueva Granada en relicarios con fragmentos de hueso. Las nuevas reliquias son, por ejemplo, el vestido con el que asesinaron a Gaitán o la casaca con la que murió Sucre", dice Borja.

Si bien la mirada actual del cuerpo es desacralizada, a diferencia de la época de la que parte esta exposición, el cocurador sostiene que la diferencia no es tanta. "El cambio no es tan grande. Hay continuidad temática porque, al fin, nuestra experiencia del cuerpo se viene formando desde la Colonia".