El motivo: la celebración del centenario del autor de Salsipuedes, Carmen de Bolívar y San Fernando.

Junto con Vives, el periodista Daniel Samper y el investigador Juan Vicente Contreras protagonizaron una tertulia, que más pareció una charla de compadres que recordaran anécdotas en torno a un amigo común ausente. Los respaldaban, con sus instrumentos y la música, nueve músicos que trabajaron al lado del ahora legendario músico que les dio a la cumbia y el porro el carácter universal.

Vives comenzó la charla contando que en torno a la biografía de Bermúdez había versiones encontradas: "Tengo tres fechas diferentes de nacimiento -decía el artista- y hasta donde he investigado, su hija Gloria tiene como 5 o 6 padrinos de nacimiento".

Pero más allá de la anécdota y las múltiples bromas que se hicieron entre ellos, Samper, Vives y Contreras buscaron explicarle al público la importancia de seguir recordando a Lucho Bermúdez.

"Para entender a un personaje como Lucho, hay que ver nuestra biografía, hay que  hablar de la cumbia, de lo que era antes de Lucho y después de que nació", dijo Vives, e hizo énfasis en los lugares por donde Bermúdez pasó a lo largo de su vida, desde la tierra de nacimiento que alimentó su inspiración, hasta la Argentina y Cuba, donde su música también tuvo repercusiones. "Si uno ve los lugares de su infancia y juventud -añadió-, Lucho vivió en Carmen de Bolívar, Aracataca, Santa Marta, Barranquilla, él es mapa del realismo mágico".

Vives describió las teorías sobre el ambiente de la cumbia, las teorías sobre su origen y subrayó su origen mestizo: "Creo que para poder defender la cumbia y a Lucho debemos superar muchos complejos: el complejo de que todos los españoles que llegaron fueron bandidos y violentos, entender que la cultura india no era atrasada. Se suele hablar de Cumbia como un ritmo afro, pero también es indio y español".

De paso, Vives llamó la atención sobre la importancia del río Magdalena en la difusión de las músicas y le pidió al público que imaginara con él, como sería el encuentro de los cumbieros del siglo 20, con los exponentes del jazz, que llegaron también a Colombia en barcos y alcanzaron el Magdalena.

Samper, además, señaló a Bermúdez como el responsable de que el rtimo insignia de la música colombiana en el mundo pasara de ser el bambuco a ser la cumbia, algo que empezó, antes de su salto internacional, cuando llevó su música a Bogotá. "El bambuco tuvo un enorme éxito a finales del siglo XIX y a principios del XX, tuvo éxito en México, tanto que empezaron a surgir compositores de bambuco en ese país; pero empezó a producirse un fenómeno, es que el bambuco no era música bailable. Y una de las razones por las que llega al interior y conquista y se queda es que esta música suya la oigo con los pies y quiero bailarla, así como el vallenato lo oigo con los oídos y no quiero bailar", dijo.

A esto, Vives contestó: "Pero el bambuco es una música muy romántica".

Y Samper replicó: "Pero el romanticismo de estar uno abajo y ella en la ventana. En cambio la música del Caribe es para bailar pegadita. Yo considero a mis abuelos, porque a esa generación le tocó enamorar con música del interior, que es muy linda, pero no muy buena para ciertas cosas. ¿Qué le cantaba mi papá a mi mamá? ¿Agáchate el sombrerito? No sé cómo no se acabó la raza bogotana", con esto, el periodista se llevó los aplausos y la aprobación de la gente.

A partir de ese momento, Vives y Samper recordaron el prejuicio y la crítica a la que tuvo que enfrentarse la música caribe cuando llegó al interior del país.

"Fue muy criticada -dijo Samper-, tanto que hubo una columna en EL TIEMPO, de la época, que pregunta qué hace esa música de negros ahí, en el Hotel Granada".

A lo que Vives añadió: "Debió decir: música de negros, de indios y españoles (...), en maestros como Lucho, uno descubre una colombianidad íntegra, porque somos unidos en la biodiversidad".

Por su parte, Contreras -que además presentó un video conmemorativo acerca de Bermúdez- agregó: "Éramos un país netamente andino y terminamos siendo un país musicalmente caribeño. ¿Cómo pasó eso? No son fenómenos de radio y venta d ediscos, pasan muchas más cosas por debajo. Detrás de eso podremos ver la historia del siglo XX colombiano, en la música podemos ver nuestra relación con el mestizaje: hemos rechazado más lo afro y cómo eso ha ido cambiando. Hoy celebramos a Lucho Bermúdez, algo así habría sido impensable hace 50 años".

A esto, Vives recordó que hace mucho menos tiempo estuvo prohibido tocar vallenato en el Club Valledupar. Más adelante le propuso al público, que además de reguetón, les pusieran a sus niños alguna cumbia colombiana.
La velada se extendió más de lo esperado, entre canciones y músicas, al final, el público le pidió a Vives que cantara una canción. "Les agradezco mucho, el cariño, pero la voz no la apropiada para recordar a Lucho -dijo amablemente-. No tengo el tono de Matilde Díaz... Ni la letra".

Sin embargo, tampoco dejó de hacer coros, cuando los músicos invitados interpretaron canciones como San Fernando y Carmen de Bolívar con la que se dio por terminado el Hay Festival. El público, que había llenado el Teatro Adolfo Mejía de Cartagena para este último acto, salió de la sala aun moviendo brazos y caderas, al son de Lucho Bermúdez.

"Esta será la última vez que hable del tema" anunció el polémico vocalista en un comunicado de prensa que firmó asegurando que escribía "no el cantante sino el ser humano".

"Lo que voy a decir, no lo hago por quedar bien -rezaba su declaración-. En esta separación con Juancho me he sentido muy afectado en mi parte emocional ya que fue mi compañero durante varios años. Aquí les voy a expresar lo que siento con todo mi corazón".

El cantante, que en este momento es de los más vendedores de discos en el género vallenato en la actualidad, expresó: "La música merece respeto, no podía seguir montándome a la tarima fingiendo, cuando yo sentía que la química musical se estaba perdiendo entre los dos. El peor error del ser humano es echarse mentiras y creer que todo está bien. Después de muchos intentos para que él o yo tomáramos la decisión no fue fácil. Pensé mucho en ustedes, mis seguidores; pero al final la tomamos, así se diga lo contrario. Ahora lo que queda es seguir adelante y aferrarme más a Dios".

La declaración resulta conciliadora en contraste con las anteriores dadas por ambos artistas: Al anunciar su salida de la agrupación, el acordeonero anunció que lo hacía por decisión de Silvestre, que era quien les debía explicaciones a sus seguidores. A esto, siguieron declaraciones de Silvestre, que manifestaba su sorpresa y le atribuía la decisión a Juancho, motivado por malos entendidos. Silvestre, que negó desde el principio haber establecido ya una alianza con el acordeonero Rolando Ochoa, hijo de Calixto Ochoa, pidió en el comunicado "final" el apoyo de los Silvestristas para su nuevo compañero provisional de fórmula.

 
"A mi primo Lucas, quien me acompaña (provisionalmente), quiero darle las gracias por apoyarme en este momento, sé que no es fácil porque fueron 10 años de trabajo y el público estaba acostumbrado a otra persona. Lucas es un joven muy talentoso y con ganas de brillar, hoy te digo, primo, que esto te va a servir para crecer musicalmente y como imagen para tu futuro".

 
En otro apartado, Silvestre -conocido por éxitos como Me gusta, me gusta- agregó: "La vida está llena de sorpresas y bien sorprendido estoy con todo lo que está sucediendo. A ustedes mis seguidores y amigos les pido que al igual que yo, se pongan la mano en el corazón y entiendan que esto no fue un capricho mío ni mucho menos una inestabilidad de mi parte. Este cambio lo necesitábamos ambos, así Juancho y algunas personas no lo reconozcan; aquí cada uno tomará su rumbo y aportará con música al folclor y cuando nos toque el turno lo demostraremos".

De paso, cuenta que su hijo le pregunta por su padrino Juancho, del que "siempre, como hasta el momento, tendrá la mejor respuesta de mi parte, para que siga admirándolo y queriéndolo como hasta hoy". Y se despidió con un mensaje para su ahora exacordeonero: "A ti, Juancho, como en varias oportunidades te lo he dicho, siempre seré tu hermano, tu compadre y lo que hoy está sucediendo, mañana sólo será un recuerdo que nos traerá nuevas oportunidades para seguir creciendo. No solo en lo musical sino en lo personal. Tú sabes que es así!!"

Ambos fallecieron este año. Marcelina Josefa Causil, en septiembre pasado; Pablito Flórez, ayer, en Montería. Al enterarme no pude menos que pensar en los casettes que debió haber grabado con tarareos y letras que le venían a la mente en sucesivos ataques de inspiración mientras permanecía sentado en su mecedora. Algunas reseñas hablan de un total de 500 canciones, otras hablan de mil. Al ritmo que iba en los dos días que pude verlo, creo que el conteo se quedó corto. Es inolvidable por la canción 'Los sabores del porro', un himno de la región cordobesa; pero también por 'La aventurera', famosa en Latinoamérica; Roberto Ruiz y muchas otras.

De inmediato, busqué en los apuntes, la primera -y más extensa- versión del artículo que publiqué en El Tiempo ese año. Aquí, la comparto con ustedes:

'Componer es como respirar': Pablo Florez

-Maestro, ¿esa es su canción de hoy?

"Jaaa -responde con una condescendencia de abuelo-, ya voy por la quinta".

Entonces suelta una estrofa que le hacía falta, devuelve el casete y muestra una canción conmpleta que había venido gestando en su mente a lo largo de las horas más recientes. No se nota dónde empezó el añadido final. Estaba terminada... "Es para los hijos", dice y es evidente que se refiere a su herencia.

Tiene dos baúles puestos en el borde de la entrada de su casa de puertas abiertas, llenos de casetes en los que va guardando todo lo que hay en su cabeza.

"La gente cree que porque me ve quieto, cree que estoy aquí descansando. No señor, estoy aquí trabajando en lo que más me gusta hacer".

Todos los días, el maestro Pablo Florez toca la guitarra. Por el placer de oírlo ensayar volví la segunda vez. Un día atrás, el autor de 'Los sabores del porro' -de los primeros que le pusieron letra a ese ritmo colombiano-, 'La aventurera' y 'Roberto Ruiz', me había contado su historia. "Bueno, solo una parte -aclaró-, porque la adolorida no me gusta decirla".

Y pintó el cuadro de "un joven que andaba de pueblo en pueblo con la guitarra bajo el brazo, a veces atravesada en el pecho, cantándole a gente distinta: indios, blancos y negros. Como yo tengo una mezcolanza de razas de toda esa gente, me encantaba mezclarme con ellos". No precisa una fecha. Pero se sabe que desde los 14 años andaba en la música aprendida del padre, músico de banda, del que heredó el nombre y el gran talento para componer.

También, que Flórez no solo tocaba la guitarra, sino que al destacarse como diestro percusionista anduvo por todos los pueblos de la costa, por Cordoba y Sucre, acompañando a varias orquestas. Pero ese día, quiso recordar sus correrías con "la finada Lucy Gonzalez, que con su hermana, ella cantaba. Era la que tocaba 'El polvorete', tuvo fama internacional. Gustó mucho en Venezuela".

"Fuimos a Cartagena -evoca el maestro-, allí nos escuchó una gente de Discos Fuentes y nos contrató para los primeros discos. Fue cuando Antonio Fuentes se trasladó a Medellín y yo fui contratado. Allí duré siento baterista, tocando la batería de todas las orquestas de Toño Fuentes, como cuatro años" Y fue "Toño", como le dice al fundador de Dicos Fuentes, quien descubrió que él cantaba y que traía bajo el brazo un repertorio de innumerables creaciones. "Entonces llegó el pedestal, para que yo surgiera un poco, porque surgí mucho -dice-. Fui escuchado en otros terrenos, otras ciudades internacionales, me sirvió mucho".

-Con la voz que tiene, ¿por qué se demoró tanto en mostrarse como cantante?

Yo me estaba mostrando, pero no había gustado. ¿Sabe una cosa? Ninguno es rey en su tierra... -

-¿Aunque lo llamen el rey del porro?

 Sí, porque la gente que sabe de eso no está aquí. Aquí me cogían era pa'beber ron conmigo. Íbamos alas parrandas de los grandes compradores y vendedores de ganado. Y les fuimos haciendo sus porros. "Por eso no te preocupes que eso lo paga Roberto Ruiz" -canta-. Era un parrandero Roberto Ruiz. Para todos esos tipos hacíamos piezas. Ellos sacaban el billete y nosotros sacábamos las piezas.

-Además de ser músico, ¿qué otro oficio realizaba Pablo Flórez?

He sido polifacético. He hecho un poco de cosas. Con mi papá fui mecánico. Trabajé en albañilería, haciendo vainas en cemento. Pero el trabajo de músico fue lo que más me gustó, me demoré más, hasta ahora, fíjese, estoy todavía...

-¿Componiendo?

Diariamente. Aunque ayer (el día de su cumpleaños), ayer no, porque estaba en una contienda musical con otros amigos. Esas contiendas son variadas, cada quien dice lo que necesita o quiere decir. Es una variedad de pensamientos que se reúne en uno solo. Diría que eso es una parranda.

-Debe haber mil historias que contar detrás de sus canciones...

Eso sí es difícil.

-¿Por qué?

Porque hay unas que son mentira. Uno se inspira en que el cielo está bajando, que le va a caer encima a uno, cosa que no puede ser. Yo me inspiré en eso para hacer un bolero, Edita. Edita, nombre de mujer. Ese bolero ha caminado mucho, está grabado hasta en Cuba. Los Sabores del Porro también han caminado mucho. Roberto Ruiz y Dímelo en un recuerdo lo grabó la Sonora Matancera.

-¿Cómo fue eso?

Ellos las oían y las grababan, porque hay libertad de grabación. Y a uno le interesa que le graben canciones distintas agrupaciones, porque cada grabada es una entrada.

Componiendo sobre la marcha

Pablo dice haber grabado unos cincuenta discos. Muchos con Fuentes, otros con Codiscos y Sonolux. Después, en estudios de la región. Dice que no diría que viajó mucho, "pero sí lo suficiente". Fue divertido, explicó, porque "uno charla con gente con la que nunca ha charlado, porque eso te da visiones, éxitos y reconocimientos".

-¿Cómo compuso 'Los sabores del porro'?

Como siempre he compuesto, acostado, asentao, agachao, corriendo, en carro, donde me llegue la musa.

-¿Y le llega muy fácil?

Pues sí. ¿Cómo se llama usted? ¿De dónde es?... "Me le dicen a Liliana, la bogotana, que ha sido un placer conocerla, tiene labios de manzana. Yo no quisiera olvidarla, ahora que se vaya, que me lleve en su mente presente, que yo no voy a olvidarla, porque tiene cara de buena gente. Que viva Lilo, viva Liliana, vamos a darle un aplauso con ganas".

(La canción salió con música estribillo y dos estrofas, no se podía más que aplaudir. Marcelina, a su lado, casi inmóvil, soltó una carcajada).

"¿Lo grabaste? Eso es tuyo -dice el maestro que desde hace un mes y medio que ve solo sombras-. Yo te lo regalo. Y sigue cantando una segunda estrofa que brota libre, sin costuras.

-¿De salud cómo está, maestro?

Yo me siento bien. Tengo cierta torcedura en el pescuezo, de una volcada hace tiempo. Pero de ahí no me siento nada. Me están haciendo diálisis y eso es molestoso, me toca tres vees a la semana. Eso me cohíbe de los viajes, porque tengo que estar muy preciso en Cereté.

-¿Cuántos años llevan juntos con su señora?

Me junté con mi señora desde pelado. Ella tenía 12 años y yo tenía 17 cuando comenzamos con los amores callejeros nunca pensamos que iba yo a tener 82 años y seguiríamos juntos, a pesar de que tuve otras aventuras. Me tocó hasta salir huyendo de aquí porque me iban a casar con otra. A las mujeres les gustan los cantantes. Pero a ella no pude quitármela del medio, no sé qué me echaría. 

-¿Cuántos hijos tienen?

Bueno, nosotros no tenemos ninguno, porque todos cogieron camino, pero ayudamos a producir siete.

-¿Qué más hace Pablo Flórez en un día como hoy?

Lo que pueda hacer. No tengo nada destinado para cada día. Trabajo en esto  y tengo variedad. Me gusta la libertad. Trabajo en lo mío.

-¿Qué es lo suyo?

Lo que esté a mi alcance. A veces me enamoro. Eso es un trabajo... y duro. Me gusta mucho la caceria de aves, piscingos, malebú, conejos, guartinajas, ñeques. Variedad de especies.

-¿Y qué hace con ellos?

Comérmelos.

-¿Hace cuantos años vive en esta casa?

Esta la hice yo. Esto era una cantidad de terenos de ciénaga que ocupa todo el barrio. Era de Manuel Cáceres. El Gobierno se lo compró para repartírselo a los podres. En ese lote de gente entré yo y muchos que no teníamos casa. Marcaron su solar e hicieron su casa, a su alcance, entones yo también. Esta casa la construí yo.

-¿Ha pensado en vivir en otra parte?

He vivido en otra parte. Pero no me gusta alejarme. A mí me gusta Ciénaga de Oro, mi tierra. He tenido proposiciones. Hace un año me invitaron a irme a España, para que les diera composiciones. Porque soy polifacético. Compongo boleros, pasodobles y rancheras.

-¿No solo porro?

Sería exiguo quedarme en un solo ritmo.

-¿Qué recuerda de la época dorada del porro?

Muchas cosas recuerdo: las que escondo. La historia de La Aventurera, que decía que me quería, pero no quería a ninguno. El nombre es Ninfa Isabel.

-¿Por qué se la compuso?

Porque nos encontramos de frente. ¿Me ha entendido? Cuando los cuerpos se encuentran de frente, imagínese qué puede ser.  Y compuse que hace tiempo salió de mi tierra una mujer aventurera, no se sabe dónde está... se la escribí sin querer, pero queriendo.

-¿Qué otra aventura guarda en la memoria?

Yo viajé a San Andrés Islas, creía que iba a tocar en un grill y no sabía que íbamos a caer en manos del padre Carlos, un cura español. Le dijimos que veníamos a tocar y dijo: Vengan para mostrarles los instrumentos. Y nos mostró un poco de carretillas, baldes, barretones, picos y palas y dijo: "Estos son, porque aquí se va a hacer una carretera. Escojan". Duramos así como cinco meses. Y resulta que cuando vi tocando mal un isleño en la misa, le presté la guitarra y me puse a acompañar a las coristas, a las monjas. Les caí muy bien, se reían de lo que yo hablaba, decían que tenía cara de pícaro... y no se equivocaron. No me gustaba una de ellas, sino toditas... muy simpáticas.

-¿Y qué dice Marcelina?

"Imagínese, trataron de quitármelo", responde ella con una voz de abuelita dulce que se ríe de su victoria sobre el tiempo.

-Le hubieran hecho un bien, mija -le dice Pablo, fundador del Cuarteto Orense, en el que ahora tocan dos de sus hijos.

Poco antes de la despedida, Pablo recuerda que concurso cinco veces en el Festival del Porro en San Pelayo y ganó cinco veces seguidas, pero como no lo dejaron participar otra vez, les dio canciones a otros tres participantes que también ganaron.

-Ha sido un placer conocerlo...

El placer es ambiguo: una parte suya y una parte mía.

Así fue la entrevista:

"Pero, mi mamá me llamó Gusi casi desde que nací -dice el cantante, que en los shows toca la guitarra-. Siempre me dijeron así en casa".

 
Beto recuerda que no querían un nombre largo y serio como Andrés Acosta & Beto Murgas, lo común en el vallenato. Y para más riesgo, sobre todo para la credibilidad que necesitaban, salieron con una canción titulada La mandarina. Pero, con ella en el primer álbum llegaron a la nominación al Grammy Latino. "Sin embargo, también jugó a nuestro favor porque fueron nombres pegajosos que se quedaban de inmediato en la memoria de la gente", añadió Beto.

Hoy, que Gusi & Beto presentan el álbum Más allá, el tercero de su carrera -segundo con el respaldo de Sony-, sienten orgullo por cada decisión tomada. Anuncian que esta vez su disco -en el que invirtieron dos años de trabajo- suena más bailable, al estilo de otro de sus éxitos primeros: 'Qué toque Betico'. Y su primer sencillo es Benditocorazón, de Wilfran Castillo.

Los riesgos ahora son distintos: por ejemplo, dentro de un género tan regionalista,invitar como productor al venezolano Yasmil Marrufo (autor de Lo que tú necesitas, que ha trabajado con Ricardo Montaner o Ricky Martin); pedirle al peruano Gian Marco que les compusiera una canción (Más allá, que le da nombre al disco); grabar un dueto con el nicaragüense Luis Enrique y, como muestra de las vueltas de la vida: saludar a sus amigos (cosa que no habían hecho) en dos de sus canciones de corte más tradicional.
"Cuando vimos el disco terminado -dice Gusi-, nos dimos cuenta de que era como un pedacito de Latinoamérica en Colombia".

Lo positivo de esto, explica Beto, es que estas invitaciones a artistas de otras latitudes refrescan el lenguaje. "Queremos internacionalizar nuestra música, nos hace más versátiles y nos abre puertas para presentarlo en otros países", dice el acordeonero.

A la hora de hablar de las decisiones tomadas a lo largo de una carrera que va en camino de la consolidación con este lanzamiento, Gusi dice que no hay en su historia algo que puedan ver como un error:

"Todo el camino está marcado -afirma-, es el destino. Nosotros empezamos como independientes, no nos saltamos ningún paso. Comenzamos trabajando por horas como cualquier conjunto vallenato: nos contrataban en casas, eventos sociales. Llegó el momento de retirarnos de los bares y otros trabajos para concentrarnos en un proyecto independiente que fue parte de nuestro aprendizaje: trabajamos el primer álbum sin apoyo de disquera, aprendimos a hacer promoción y a tener amigos en los medios. Después llegó Sony y empezamos a buscar alianzas en otros lugares, pero siempre andamos con la guitarra y el acordeón haciendo la promoción".

Precisamente, la guitarra como elemento protagonista del trabajo de Gusi & Beto le ha dado su aporte a la credibilidad que buscaron desde el primer momento, dice Beto, el acordeonero. "La gente la valora mucho, porque al llegar a las promociones, ven que además Gusi toca guitarra.  Muchos artistas se ponen la guitarra por ponérsela, algunos la tocan más o menos, pero Gusi estudió guitarra clásica y eso habla bien del grupo. Vamos juntos con guitarra y acordeón y en la etapa de promoción muchos dicen que suena muy cercano al disco. Hoy nos respetan como un grupo que hace música, que sí toca y que sí canta y que lo puede hacer bien".

La verdad, su Grammy Latino en la categoría de cumbia / vallenato de ayer fue para mí un resultado sorpresivo, pues los trabajos de cumbia en esa categoría han sido casi como 'el patito feo' de la historia, ante el predominio avasallador del vallenato. Pero me pareció justo, por lo que representa su disco 'Tesoros', en homenaje a un grande de la cumbia como José Barros. Y es un premio justo para no olvidar algo que una vez dijo Carlos Vives, al celebrar otro Grammy en el pasado: la mamá del vallenato es la cumbia.

Tengo entendido que no fue a la ceremonia esta vez, justo esta vez que sí gano (antes había tenido otras nominaciones en otras categorías). Por eso no hay foto del hombre recibiendo el galardón. En todo caso, encontré una de sus épocas de nominado...

Ahora, en estos tiempos, en los que parece imposible vencer a los acordeoneros de academia, que estudian desde que aprenden a caminar, que un autodidacta obtenga la corona de rey vallenato tiene un mérito mayor. Almes tenía una ventaja de familia: años antes vio coronarse a sus sobrinos Hugo Carlos, el rey que más coronas ha juntado en las diferentes categorías del Festival (desde la infantil hasta la de rey aficionado, rey profesional y rey de reyes aficionado y profesional) y Juan José, rey 2005.

Su corona reforzó el nombre de los Granados como la más fuerte de las dinastías de acordeón vallenato de la actualidad. Así, valió la pena que Hugo Carlos, actual rey de reyes, lo hiciera repetir muchas veces el son con que el compitió. Hoy, el rey está satisfecho por la familia: tanto él como sus sobrinos cumplieron y multiplicaron el sueño de Ovidio, el técnico de acordeón que concursó en los primeros festivales. Familia que ensaya unida, sigue ganando coronas.

* Este es el texto de la columna 'Al son que toquen', sobre temas musicales, que escribo ocasionalmente en EL TIEMPO y que será publicada mañana, jueves 5 de mayo.

@vallenatosclub

@lilangmartin

¿Por qué se hace el Festival?

El Festival de la Leyenda Vallenata nació por iniciativa de un grupo de personas del entonces recién nacido departamento del Cesar, en 1967, entre ellas Alfonso López Michelsen (su primer gobernador), Consuelo Araujonoguera, Rafael Escalona y Gabriel García Márquez. La finalidad era promover una fiesta que fortaleciera el sentido de pertenencia de los vallenatos. Por lo mismo, tomaron la fecha de su fiesta religiosa más importante, el 29 de abril, día en que se conmemora La Leyenda Vallenata, un milagro de tipo religioso que data del siglo XVI y que se celebra con una colorida procesión que recuerda una batalla entre españoles e indígenas, en la que la Virgen del Rosario hace una aparición.

Desde el comienzo, el Festival se orientó a la preservación de las raíces musicales de la música de acordeón de la zona del Valle de Upar, por lo mismo, aunque la música de acordeón colombiana comprende numerosos aires, en el Festival de la Leyenda Vallenata sólo concursan los cuatro aires vallenatos (no sabaneros, no de la Alta Guajira): paseo, puya, merengue y son.

Ahora, convertido en una fiesta nacional, es una de las vitrinas más fuertes para mostrar a los nuevos talentos de nuestra música en las categorías infantil  y juvenil y felizmente ha llegado a un equilibrio en la convivencia entre lo típico de las competencias y el vallenato comercial que se ve fortalecido en los espectáculos de  las noches del Parque de la Leyenda y los múltiples shows que los artistas consagrados presentan a lo largo de la ciudad durante los días de fiesta.

¿Quienes pueden participar?
El Festival de la Leyenda Vallenata tiene numerosos concursos, el principal es el de Rey Vallenato Profesional (conjunto típico vallenato profesional) que premia al acordeonero que al pasar por varias eliminatorias haya ejecutado con mayor maestría los cuatro ritmos vallenatos. Sin embargo, el festival también elige rey vallenato infantil, juvenil, aficionado. En estas categorías pueden participar todos los acordeoneros preparados en los cuatro ritmos que cumplan con exigencias tales como ser menor de 13 años, en la categoría infantil; tener entre 14 y 18 años, en la juvenil, ser aficionados al vallenato pero no vivir de la música, en la categoría aficionado, y vivir de la música en la categoría profesional.
También hay competencias en piquería (duelo de versos) y canción inédita, que premia al compositor.

 
Para ir a un Festival, ¿Qué debe saber alguien que se aproxime por primera vez al vallenato?

-Saber que el rey vallenato es siempre un acordeonero, no un cantante. En su apego a la tradición, el festival sigue siendo la fiesta por excelencia de los acordeoneros. De veras, ha pasado que más de una vez personas que llegan por primera vez juran que el rey vallenato es un cantante.

-Saber que el vallenato está compuesto por cuatro aires: son y paseo, dos de ritmo más lento y merengue y puya, los más rápidos y alegres.

-Que la maestría en la ejecución de esos aires son los que le otorgarán la corona o se la quitarán a los aspirantes al título de Rey Vallenato.

-Que el rey vallenato se elige por puntaje en eliminatorias diarias durante los días del Festival, cuyos resultados garantizan la llegada a la final de los cinco mejores acordeoneros de cada edición. Cada categoría tiene su final en el Coliseo del Parque de la Leyenda (los reyes infantil, juvenil y de piquería se eligen en la penúltima noche de festival, los de aficionado, profesional y canción inédita en la noche del cierre)

-Que cada noche, el Festival tiene una programación oficial de conciertos con conjuntos vallenatos comerciales consagrados entre el público y algunos invitados internacionales, en el Coliseo del Parque de la Leyenda. Este año, vienen Ana Gabriel y Don Omar, en otros años, por el escenario del Festival Vallenato han desfilado Juan Luis Guerra, Alejandro Fernández, Calle 13.

-Que es el momento en el que la capital mundial del vallenato reúne no solo a los acordeoneros de corte típico sino a las estrellas comerciales del género, además de ser una fiesta obligada de vivir- al menos una vez en la vida- por todo colombiano. Reúne a todas las clases sociales.

-Que el desfile de piloneras y piloneros, es un baile por la vía que conduce al Parque de la Leyenda, y da comienzo a las fiestas, en el que diferentes grupos folclóricos bailan al son de la letra de la canción El Pilón: "¿A quién se le canta aquí, a quién se le dan las gracias? ¿A los que vienen de afuera o a los dueños de la casa". Cada comparsa está compuesta por mínimo 12 parejas y máximo 18, con una coreografía que también concursa por un trofeo en el Festival..

-Que la Leyenda Vallenata es una fiesta de origen religioso, que tiene entre sus elementos conmemorativos la misa y procesión de la Virgen del Rosario, cada 29 de abril, y la representación teatral del milagro, al día siguiente.

Sin embargo, al parecer me pasé con estos tips, porque mi colega periodista llamó a Julio Oñate Martínez, uno de mis vallenatólogos de cabecera, y le preguntó qué debía saber un vallenato y él, simplemente, contestó: "Debe saber decir "Ayombe" y "Guepaje". Con seguridad, él sabe más. !Así que basta tener la actitud de disfrutar y adelante!!!!!

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El Grammy es ya una meta cercana para los artistas vallenatos, que en sus shows tanto nominados como premiados mencionan con orgullo y hasta le componen canciones. El galardón que les dio ventaja internacional por encima de muchos otros ritmos nacionales e, incluso, extranjeros.

Los efectos de esta categoría se sintieron también en el interior de Laras (Academia Latina de la Grabación). Según Gabriel Abaroa, presidente del Grammy, esta suscitó un incremento en las solicitudes de peticiones para crear nuevos galardones.

"La mayoría no proceden después de estudios y discusiones", dijo Abaroa. Así ocurrió con la propuesta de una categoría lusoafricana, que buscaba incluir toda la música de habla portuguesa, no solo la brasileña, que no prosperó aunque estuvo en la agenda de las reuniones por años.

"Cuando se creó la categoría de vallenato -agregó-, Brasil solicitó la revisión de sus categorías: se habló de música romántica y de tropical tradicional y tropical contemporánea brasileña. Y si había oposición, decían: ¿Por qué Colombia sí y nosotros no? Con ella se creó un reto natural".

Más allá de ser un precedente, la categoría vallenata dejó también sus lecciones:
"Aprendimos mucho sobre cómo proponer y presentar una categoría a la comunidad artística que la representa -añadió Abaroa-. La de vallenato y cumbia se creó dentro de las reuniones del Grammy, sin viajar a Colombia, sin sesiones de trabajo local. En un momento se tenía la categoría, pero no se tenía en Colombia el conocimiento de lo que representaba para los músicos del género. Hubo que venderla a posteriori".

Esa, para el presidente del premio fue la lección más importante. "Cuando vayamos a abrir cualquier tipo de categoría, el camino será acercarse primero a creadores, productores y a los periodistas especializados en el género para involucrarlos, para que no parezca una imposición, algo ajeno y extraño que nadie sabe por qué se genera".

Por lo mismo, el Grammy trabaja diferente sus categorías nacientes: "Lo primero es identificar a 'todos los jugadores' -explicó Abaroa- para oír sugerencias y todos sientan algo de paternidad con respecto a ese bebé".

Así ocurrió con la categoría de música tropical mexicana, derivada del premio de vallenato y cumbia, en un intento de los intérpretes de la 'cumbia mexicana' por tener su toldo aparte. "Nos acercamos y hablamos con las personas involucradas -recuerda Abaroa- para decirles que cometían un error, que iban a salir perdiendo. Y cuando se perdió esa categoría (duró apenas un año) por falta de material, no hubo la necesidad de dar mayores explicaciones, porque sabían que  era un riesgo y ellos decidieron correrlo".

Ahora, el Grammy aplica estas lecciones a casos como el restablecimiento de la categoría del merengue -que también desapareció por falta de un volumen de inscritos-. "Ya no discutimos en Miami o Nueva York, como hicimos con el vallenato y la cumbia, sino en República Dominicana, con los merengueros, estando seguros de que ellos van a participar".

Y ya en marcha, en estos cinco años, la categoría vallenata ha tenido sus discusiones internas. "Al crearla -dice Abaroa-, quisimos desde el principio respetar mucho los aires de la música colombiana y que la cumbia estuviera presente, por eso se integró al vallenato. Pero muchos pidieron separar los dos géneros y se les explicó que esa opción era dejar huérfana a la cumbia colombiana y nadie fue capaz de votar por eso, nadie volvió a protestar porque no se permite que el vallenato esté solo. Es más, alguien propuso cambiar el nombre, incluir la y griega entre cumbia y vallenato. Eso sí prosperó".

Transmisión

Debido a la acogida positiva que tuvo la transmisión, vía Internet, del 'pretelecast' (entrega de premios menores previa a la ceremonia televisada), esta vez el Grammy organizó que esta entrega previa de galardones (que solía ser rápida y sin mucho show) tenga un par de actuaciones musicales, a cargo del ecuatoriano Juan Fernando Velasco y María Gadú, de Brasil. Esta ceremonia previa puede verse por www.latingrammy.com, de 3 a 5 p.m.
Por otra parte, la ceremonia televisada, desde el Mandalay  Bay Events Center de Las Vegas, en la que se entregararán los galardones más importantes se verá en Colombia por Citytv,: desde las 7:30 p.m.

@vallenatoSclub

Los representantes del cantante vallenato ya enviaron las primeras fotografías  (hagan click en ellas para verlas mejor) de esta ceremonia de antesala a la entrega de los Premios Grammy. Oñate también está nominado al premio en la categoría de Vallenato y cumbia y compite contra Omar Geles, El Binomio de Oro, Diomedes Díaz y Poncho Zuleta.

  2. Vuelve y Pica...El Pollo
El Binomio de Oro de América
[Discos Fuentes]

  3. Prueba Superada
Omar Geles & Alex Manga
[Discos Fuentes]

  4. Te Dedico Mis Triunfos
Jorge Oñate
[Discos Fuentes]

  5. El Nobel Del Amor
Poncho Zuleta & Cocha Molina
[Sony Music]

Tan pronto leí el nombre de Tecupae, recordé que la primera vez que tuve noticia de ellos, fue por intermedio de Jaime de la Hoz, cuando me contó que ese grupo venezolano de fusión iba a concursar en el pasado Festival Vallenato Francisco El Hombre, porque su música tenía mucho de vallenato.  Ellos no entraron a la categoría de vallenato cumbia, sino a una de las más importantes: Álbum del año.