Y hoy, también, quiero compartirles un espectacular video musical de Carl Sagan... (¡¡¡¿¿¿What???!!! "acaso dijo 'musical'?")

Pantallazo de la página web de la campaña de Carlos Vives con el Éxito ADVERTENCIA: Esto no es un banner comercial.

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Carl Sagan es el dueño del loop

Este video de una pieza llamada 'A Glorious Dawn', que destacó Wired Magazine en su página web recientemente y llegó a mí por un usuario de Twitter, es una obra de arte hecha con fragmentos de los episodios del programa de televisíón 'Cosmos', de Carl Sagan. Su autor, un usuario en Youtube llamado Melody Sheep, es un maestro en el dominio de Auto-tune, un software que permite editar y alterar tempos y tonos y sincronizarlos con otras pistas.

Aunque musicalmente luce como una pieza maestra, también hay que anotar el logro con la letra: ¡tiene sentido! o al menos parece tenerlo desde un punto de vista artístico. Hay mucha poesía en cada reflexión del científico, por lo que esa visión del universo explota en nuevas formas. Me gustaría saber qué opinan ustedes, qué les pareció.

Otro juego de Melody Sheep con Auto-tune dio como fruto el siguiente video, bastante alocado pero menos impactante que el de Sagan:

¿Qué tal?

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La música, otro producto del carrito de compras

No sé si ya tuvieron esta experiencia que recomiendo vivir como una especie de tratamiento de electrochoques.

En estos días fui a hacer unas compras a un Éxito. Iba a comprar cualquier cosa, no recuerdo qué. El hecho es que no intuí que por estos días entrar al almacén significaba encontrarse de frente con el bombardeo de mensajes de Carlos Vives. Lo ves entre los espaguettis, o encabezando una vitrina de sábanas y tendidos, o entre los tampones, con esa foto tan perfecta que transmite un poco de miedo, y junto a él, uno de los eslogans más inteligentes y a la vez escabrosos que he visto: Vives con éxito. Inteligente, porque es un brillantemente corto juego de palabras y un poderoso mensaje de mercadeo; escabroso, porque ocasiona una opresión en el pecho, como si tuvieras que comprar todos estos utensilios de cocina y menjurjes para la cara para tener éxito en la vida.

Entre tanto, las canciones de Vives suenan en los altavoces en los que generalmente anunciaban el pan caliente o los vinos a mitad de precio. A veces, un fade out intruso permite la entrada de una voz que dice "esta es la canción Éxito de hoy... vives con Éxito, con Éxito vives', o algo así. Y si ves a la gente, todos están hablando de Carlos Vives esto o aquello.

Los discos del samario están aparatosos al lado de la banda eléctrica de las cajas de pago, entre los chiclets y los cábanos. Su ubicación es estratégica: responde a las compras por impulso. Y los precios, asombrosamente atractivos: 14.900 para los viejos, 16.000 aprox para el disco nuevo, 'Clásicos de la Provincia II'.

El resultado: tuve que salir corriendo, no pude aguantar tan abrumador bombardeo de mensajes monotemáticos.

Poco después leí esta facebook-columna de Alejandro Marín, en la que destaca algo que es cierto: se trata de una bofetada contundente a las casas discográficas grandes, que tienen que ver como Carlos Vives les demostró que 1) la gente sí compra discos, 2) Sí se pueden vender discos a mitad de precio, 3) Los canales de distribución no deben ser siempre los mismos. La lección es grande.

He sabido que algunas tiendas de discos están muy molestas con Vives por haber roto el modelo de negocio. Hablan incluso de un veto al cantante en sus estantes. Resulta que esta estrategia conjunta del Éxito, Gaira Musical y Cabeza de Ratón deja muy mal parados a aquellos que insisten en que los estrenos discográficos se deben vender por encima de los 30.000 pesos.

Yo no le veo nada malo a eso. Qué bueno que los precios de la música bajen. Esto demuestra que lo que nos están cobrando no es el derecho de autor, sino el prensaje y la justificación de una cadena de eslabones en la distribución musical que tal vez no son necesarios. Hace mucho tiempo la gente se cansó de pagar discos tan caros, y esto es la prueba.

Pero por otro lado, hay algo inerte en el concepto de 'Clásicos de la Provincia II' y toda su parafernalia. Desde el título, sabemos que es el retorno a sus clásicos de la provincia. Eso no está mal, es lo que mucha gente le pidió. Pero de repente nos encontramos con una carátula extraña, con una tipografía propia de folleto, un manejo gráfico insólitamente limpio que parece más de libro de "ser padres hoy" que del brillante retorno de un artista que estaba pendiente hace rato. ¿Es atractivo? ¿Dan ganas de comprarlo realmente? Yo, particularmente, siento repelencia. No se trata de comprar discos por el folleto o las fotos, pero tampoco de que uno sienta que lo que le están vendiendo es otro pan caliente.

Eso sería un argumento válido para darle palo a Carlos Vives por esta decisión, aunque también es cierto que la gente prefiere bajar música de Internet y por eso ya no piensa en los cuadernillos de los discos. Y sé que los lectores de este blog no son muy allegados al tema Vives. Pero no creo que la idea sea hacer de esto una caldera.

El Carlos Vives de hoy es uno que atravesó por uno de los momentos más jartos que puede vivir una estrella: cuando el público le hace el feo a la hora de innovar, y le restriega por la cara que otra gran estrella -en este caso, Juanes- es el nuevo acaparador de los efectos del público. Lo he visto: cuando Carlos Vives habla en ruedas de prensa, le preguntan qué opina de Juanes, por qué no canta con Juanes, por qué no va a los conciertos de Juanes, etc. El país le dijo en cierto momento "ya no eres la luz de nuestros afectos". Y eso duele.

Habiendo invertido tanto esfuerzo, ganas, ideas y sueños, vio que nada de eso sirvió. Sacar un disco costoso y sofisticado no es el negocio.

Ahora, Carlos Vives está haciendo lo que le pide el mercado. Y utilizó el esquema Wall-Mart / Fnac de otros países. Y le pegó a la piñata: producto barato que se desliza de las vitrinas al carrito de mercado. Más de 200.000 copias vendidas en tan poco tiempo y la idea de que la gente haga fila -así sea la del mercado- para comprar su disco es una prueba de ello.

Esa es la cruda realidad. Por eso, Carlos Vives luce ahora como modelo de folleto del Éxito y, en cierta forma, tiene todo su derecho... Pero la faceta mercantilista no es la más atractiva de un artista y ese precio puede aparecerle en un futuro en la factura de su carrera.

Suerte y pulso.

Foto de Milton Díaz, de EL TIEMPO.

Y si no fue, escúchelo acá, está casi completo (falta una canción), en audios que están divididos más o menos de a tres canciones:

Simplemente ponga a reproducir a través del botón PLAY y listo, alístese para rememorar aquella noche de sábado, cuando Bogotá disfrutó del glamour de la banda británica.

La grabación es de tipo casero, fue hecha con una grabadora digital de 16 bits, desde el público. Por eso, notarán una serie de fallas y de algunos sonidos altos y bajos que no registran perfectamente. También, de alguna persona que habla junto al micrófono y, claro, por qué no, también interrupciones mías (iba con mi novia y, ustedes saben, es inevitable que... en fin...)

¿Quieren saber cómo lo vivió Depeche Mode? Esta es la visión que la banda se llevó del término Colombia es pasión.

Este fue el setlist del concierto, gracias al aporte de un usuario en Setlist.fm:

 

 

 

Sin duda, este show clasifica entre los 10 mejores conciertos que se han hecho en Colombia. Marcó un episodio especial, pues por lo general es poco el espacio que se le brindan a los sonidos pop. Aún así, ya había un referente de éxito: Pet Shop Boys. Y si Bogotá deja esa constancia de ciudad dispuesta a sonidos diversos, no solo al rock o, en particular, al metal -que tiene su gran público y merece seguir teniendo buenos shows-, seguramente vendrá una oferta más grande... aunque, ¿más grande que Depeche Mode?

La propuesta de 21 cortes del concierto del pasado sábado es una verdadero banquete: Martin Gore encanta al rememorar 'Somebody', la primera canción en la que el guitarrista hizo vocales para el grupo en 1984. Y sus interpretaciones ligeras de 'Home' y 'Jezebel', sin tanta instrumentación, destacando más la voz, son momentos inolvidables. David Gahan sigue siendo el jovencito de siempre, como frontman conduce a la banda por los mejores caminos y sabe cómo excitar al público; Andrew Fletcher, parco en lo visual pero definitivo en los sintetizadores, sigue siendo el hombre de los negocios.

Las versiones de 'I Feel You', 'In Your Room' y la mismísima 'Personal Jesus', además de 'Precious', estuvieron muy ligadas con una esencia más eléctrica y casi cercana al blues. Incluso, en 'I Feel You', el grupo se lanzó en la aventura de cantar la canción con variaciones en tonos más bajos. Todo eso, lejos de ser producto de una limitación -no se trata de que no puedan llegar a los tonos altos-, responde a un regalo a sus seguidores, la idea de contar con otra versión, nueva, de canciones que han sido tan admiradas.

El arranque con tres canciones del nuevo álbum demostró varias cosas: una, que todos los presentes conocían el disco; que su factura es tan buena que se mete entre los títulos indispensables del grupo; que los nuevos sonidos de Depeche Mode tienen consistencia, y eso hace a esta banda totalmente diferente a U2, que se repite a sí misma en cada uno de los discos de esta década, mientras que Depeche Mode propone algo nuevo y fascina.

El ambiente era especial. Impera sobre Depeche Mode la atmósfera una oscuridad confortable. Es como si la música electrónica se armara de bríos más poderosos. Y qué decir de la iconografía de todo el concierto: Cada canción disfrutó de toda su personalidad. ¿Qué tal 'Enjoy The Silence'? Eso es de lo que se trata un show completo, y no debe ser gratuito que Depeche Mode encuentre en esto similitud con Roger Waters, que en su show cada canción sea una historia y tenga un efecto sorprendente y contundente.

¿Qué tal les pareció el concierto?

Suerte y pulso.

 La información se puede constatar aquí .

Y Franz Ferdinand, aquí también la confirmación. 

¿Quién aguantará el mes de marzo de 2010? Coldplay, Franz Ferdinand y, se supone, Metallica... Toca ir ahorrando. 

La noticia de Coldplay ya venía rodando desde hacía algunos meses. Juan Pablo Ospina, de Shows Business & Entertainment, estaba haciendo las gestiones para que la banda británica viniera. En un primer momento, se alcanzó a hablar de los últimos meses de 2009, pero luego Chris Martin decidió, sorpresivamente, tomarse un tiempo de descanso que, parece, estaba pidiendo a gritos después de 159 presentaciones en 25 países, como parte de la gira Viva La Vida! World Tour.

El paso por Latinoamérica comprende Argentina (26 de febrero), Brasil (28 de febrero y 2 de marzo), Bogotá y México (6, 9 y 11 de marzo). Y anuncia en el comunicado que la banda que le hará apertura en todos los shows será Bat For Lashes  [ MySpace ], inspirada entre otras cosas por sonidos del bluegrass fusionados con electrónica pura, de la cantante y multiinstrumentalista Natasha Khan cuya voz me hace recordar a Jane Siberry. (falta ver qué banda colombiana será el show de apertura en Bogotá, un requisito de ley).

Esto es Bat For Lashes:

Pero concentrémonos en Coldplay, que es el plato fuerte esperado por mucha gente. Esta es una galería de fotos tras bambalinas de uno de sus conciertos. Y a continuación, uno de los instantes acústicos del concierto (si lo que quiere es sorpresas, mejor no vea este video):

Las últimas noticias de Coldplay se pueden seguir en su Twitter @coldplay (con casi dos millones de followers) aquí.

Una de esas es que Coldplay aparecerá en un episodio de Los Simpsons el próximo 10 de enero.

El material en vivo de Coldplay se puede revisar de primera mano: La banda puso en mayo de 2009 a disposición de cualquier persona la descarga del álbum digital 'LeftRightLeftRightLeft', una muestra de nueve cortes grabados durante sus presentaciones en la gira, que se puede descargar en este enlace, simplemente dejando algunos datos.

Así se vio 'Viva La Vida!' en Munich:

Las boletas estarían a la venta en tuboleta.com próximamente. Según la información, comenzaría el 23 de octubre a las 10 de la mañana.

Sobre Franz Ferdinand

Con semejante explosión de la noticia de Coldplay, casi se pasa a un lado que también Franz Ferdinand hará presencia en la ciudad. Las dos anunciaron hoy. Gracias a un cruce de mensajes vía Twitter logré enterarme de la noticia.

La banda escocesa, muy bien conocida por su Take Me Out, que basa su fórmula en un ritmo mucho más marcado con variaciones y rupturas, en remembranzas de The Kinks, no viene en su mejor momento pero sí está muy fresca. Abarcará Brasil, Argentina, Paraguay, Perú, Chile, República Dominicana y Colombia.

Luego ampliaremos más información sobre esta noticia.

Suerte y pulso.

Y por último, el inicio de una serie de reseñas nacionales con Ricardo Gallo Cuarteto.

Till Lindemann, el vocalista de Rammstein, informando a toda Alemania que tiene un gran miembro para convidar.

Siempre me da risa cuando veo que se arma una polémica por algún beso homosexual o alguna escena soft porn entre sábanas en un video musical. O porque Robbie Williams hace un streaptease y se despoja de su piel. Suelen ser polémicas prefabricadas desde el escritorio de algún talentoso creativo de imagen. Qué mejor que una escena caliente sugerente que sea retirada de la versión para MTV, HTV, VH1, Much Music, etc.

¿Es necesario estar en MTV para tener vida? ¿Es necesario estar amarrado a los canales convencionales? Seguramente no, y menos si tienes tanta dinamita como Rammstein. Su nuevo video, 'Pussy', que se puede ver exclusivamente en este servidor de pornografia  [ advertencia: restringido a mayores de edad; ver con cuidado, pues es contenido explícito que puede resultar ofensivo ], es el síntoma de que, si quieres hacer algo

Todo el asunto es una caricatura. La canción, cuya letra mundana y barata -Lindemann canta en inglés la mayor parte de la pista- podría pasar por un reguetón calenturiento y aún más explícito; entre tanto, el video es un clásico porno portagonizado por los integrantes de la banda y "sus miembros", en primerísimo primer plano. La melodía retrata la progresividad de un orgasmo. En medio de tanto cuadro a cuadro viene el ingrediente sabroso: Lindemann y su banda, dando una especie de conferencia nacional, en la que le anuncian a toda Alemania que es hora de tirar y que Rammstein tiene "esto" para darles. Precioso.

El sencillo ya salió a la venta por Amazon. Parece ser uno de los episodios del álbum 'Liebe ist für alle da', que traduce "amor para todos", y que saldrá a tiendas europeas el 16 de octubre, promete su sello. Al parecer, el enfoque es al amor sin tapujos y está dirigido a una Alemania menos moralista.

¿Qué piensan de esta nueva locura de Rammstein?

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Nuevos regalos de Thom Yorke

Esto es 'The Hollow Earth', de Thom Yorke, con participación de Jonny Greenwood:

Lo que viene es una serie de imágenes no oficiales del nuevo video de esa canción Thom Yorke, (no es el final), un corte que había trabajado durante la época del álbum 'The Eraser' pero hasta ahora sale a la luz. Radiohead lo puso a descarga de la sección de miembros oficiales de la página. 'The Hollow Earth' aparecerá en físico junto a otro sencillo, Feeling Pulled Apart By Horses, el próximo 6 de octubre: 

Por lo musical, siento que hay cierta cercanía con el trabajo de Talvin Singh. En cuanto a lo que promete el video -aún no publicado oficialmente en la red y, por lo que se sabe, este no es el resultado final, como confirmó el blog de NME-, el desfile de imágenes cuadro a cuadro es producto del aporte que hace al concepto del video el polémico artista y muralista Bansky, aquel del inteligente sabotaje a Paris Hilton del que hablábamos durante los días en que estaba de moda rajar de la rubia hotelera:

¿Buen equipo entre Radiohead y Bansky? ¿Qué opinan?

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LOS MIL SABORES NACIONALES (reseñas de discos locales)

En estos días un blogger señaló -de manera un poco hostil- que yo no escribía acerca de artistas nacionales. Esto, porque en el evento Resonancia Colombia, en el que participé como panelista por invitación de los organizadores, y hablando a nombre de El Tiempo, invité a los músicos locales a que se acerquen y muestren su trabajo. Debo aclarar entonces que ciertamente el blog muy pocas veces habla de artistas nacionales, pero yo sí lo hago a través de El Tiempo y de ADN que, debo aceptarlo, gozan de un poquitico más de visibilidad que este blogcito. Los artistas independientes han logrado ganar un espacio en las páginas de los periódicos. Acá, en este blog, escribo de las cosas que me apasionan de manera personal y que suelen no estar amarradas a una "agenda de medios". Pero a veces a la cajita le resulta inevitable meterse en la agenda, por supuesto...

En fin, el hecho es que procuro sacar lo mejor de estas discusiones y, por eso, en atención a los lectores que esperan una recomendación de algo nacional que valga la pena, comienzo desde hoy una serie de reseñas de buenos discos locales -así ya les haya pasado su cuarto de hora de fama- que vale la pena comprar, escuchar y atesorar. El primero es 'Urdimbres y marañas', del Ricardo Gallo Cuarteto.

'Urdimbres y marañas'
RICARDO GALLO CUARTETO
Sello independiente La Distritofónica
2007

Hablaba en alguna ocasión con Ricardo Gallo acerca de ese concepto tan etéreo de las "nuevas músicas colombianas". Concluíamos que es gracioso pues las músicas deberían ser siempre nuevas. Es más una etiqueta de mercadeo que es válida para convencer a la gente de que es interesante escuchar a una generación de artistas nacionales que no tiene miedo a experimentar y probar. Una generación preparada en academia que además ya no toca por la chisga.

El pianista Ricardo Gallo [ MySpace ] debe ser ubicado en esa ola y tal vez encabece el podio. Y su cuarteto de jazz merece igual admiración: tiene al baterista Jorge Sepúlveda, aquel de 'Caída libre', otro buen ensamble del jazz nacional. Juan Manuel Toro y Juan David Castaño completan el panorama.

Aquí los músicos pegándose un su buen almuerzo, agarrando energías para el vuelo que van a emprender antes de entrar a estudio. De izquierda a derecha: Gallo, Toro, Sepúlveda y Castaño.

Cortes como 'Esto es un paseo', en los que con su piano Rhodes le pone sonido funky a una base de jazz y de elementos de la cumbia, lo ubican a uno en Brooklyn y a la vez mantiene los pies sobre la tierra. Excelente. Luego, en 'Artificio', el pianista revela su herencia, que es la música andina colombiana. Pero además le agrega sabores de los paseos cubanos a tal punto que uno se siente escuchando al fallecido Rubén González. Sigilosamente, la percusión y el contrabajo están probando en el fondo algunos trucos jazzisticos que muestran de plano el artificio sofisticado que se proponían.

En otros cortes parece que existiera el propósito de pasar una guadaña por la "música cómoda" e ir cortando cabezas con sus disonancias, una guadaña necesaria: en 'La distritofobia', el pianista se desdobla y va poniendo su propio ritmo, ante la compañía de un bajo sólido de acordes cortos y una batería impecable.

Sea ese contraste la razón por la que un disco se llame 'Urdimbres y marañas', este álbum de nueve cortes es una delicia auditiva y la verdad es que puede calar bien en quien lo escuche, sea o no cercano al jazz.

Este disco es distribuido por Millenium Récords y se consigue en Tango Discos y La Musiteca, además del portal CD Baby, internacionalmente.

Suerte y pulso.

Bienvenidos. Y antes que nada, me disculpo por otra ausencia de varios días que resultó impajaritable. Mil perdones, acá estamos de nuevo. 

Lo que está haciendo el Teatro Nacional hay que apoyarlo. Le apuesta a por hermosos conciertos. Tiene en capilla a Cesaria Évora y hace poco iban a traer a Kevin Johanssen, pero por falta de tiempo para la promoción se les cayó el show. Este es el del próximo sábado, la cantante Mísia:

Ella es una cantante de fado, uno de los sonidos propios de Portugal, pero además es una rebelde del género que ha hecho todo tipo de fusiones y ahora, en su último álbum, que es parte de lo que vamos a ver el sábado, muestra una faceta curiosa, al interpretar canciones de Johnny Cash y de Ian Curtis (Joy Division), entre otros.

El siguiente video es un ensayo de Mísia de la canción 'Love Will Tear Us Apart' (que se podría catalogar como el gran éxito de Joy Division, si aplicara eso de éxitos al lado de esta banda tributo que se hizo realmente popular gracias a películas que aparecieron muchos años después de la muerte de Ian Curtis):

¿Qué tal? Más información de dónde será el concierto, los precios y dónde se compran las boletas, además de la opción de escuchar a Mísia en una entrevista que pude hacerle recientemente, aquí. 

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La parranda-jazz de Barranquilla 

He estado perdido del blog, no por gusto, sino por trabajo. Pero aquí estoy de vuelta. Una de las cosas que andaba haciendo era el cubrimiento de la temporada de jazz para El Tiempo. Estuve en Barranquijazz 2009, uno de los mejores festivales del género en Colombia, muy apegado al latin jazz pero abierto a incluir las vertientes originales y los sonidos contemporáneos.

Este es Ahmad Jamal, algunas cosas que pude grabar. En su primera intervención ante la cámara, se refiere al estado actual del jazz; en la segunda parte de la entrevista, dice lo que piensa acerca de que Jay Z y Kanye West hayan tomado elementos de su música sin pedir permiso, y pues, más honesto no puede ser:

El curioso percusionista ligero que participa en el cuarteto es Manolo Badrena, de origen portorriqueño, quien fue uno de los integrantes de Weather Report. Es decir, un monstruo (no lo digo por la pinta sino por la manera de tocar, aunque también aplica).

También vi al Dúo Bozzolan, un grupo italiano que además de tocar en Barranquijazz también estuvo en AJazzGo, en Cali, y en el Festival Internacional de Jazz del Teatro Libre de Bogotá. Algunos dicen que a su propuesta le falta solidez, en parte porque la contemporaneidad de los pitos metálicos contrasta muchísimo con un piano mucho más apegado a la línea convencional y ortodoxa, pero en realidad fue un gran viaje que hasta tuvo que ver con Bach y con una improvisación percutiva en la flauta traversa --sonidos insólitos que emulaban incluso la pulsación de las cuerdas de una guitarra--:

Los sonidos que vienen a Colombia en estos festivales son cosa grande. Lo mejor de todo lo que pude ver, aunque no pude ver todo, fue Brad Mehldau --lo sigo desde hace unos años, de mis jazzistas favoritos junto a Erik Truffaz--, arrebatado pianista que tocó en su instrumento, en meros arreglos de jazz, música de Rage Against The Machine, Radiohead, Massive Attack... no digo que haya sido lo mejor por mi cercanía con el rock, sino porque en verdad fueron interpretaciones espectaculares de puro jazz, a partir de estas melodías populares. Pero de ello no les tengo video porque no había autorización para grabar.

¿Estuvieron en algún concierto de la temporada de jazz? ¿Qué les gustó?

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Vale la pena darle una chequeada a este Manifiesto de la Industria Musical que proponen por ahí... ¿Qué tanto se identifica usted con este pliego? Lo debatiremos pronto, en Caja de Resonancia.

 

¿Para dónde va todo este mapa de la música en constante transformación? ¡No más payola! ¿Vale la pena ser creativos y experimentales en la música? ¿Ha funcionado la ola de los sellos independientes? ¿Cómo se casan música y marcas comerciales? ¿Es necesario alejarse de los sellos discográficos? ¿Cuál es el papel de los medios en la promoción musical?

Las preguntas les competen a músicos, empresarios, discográficas, periodistas musicales y aficionados que participarán en la segunda versión del evento Resonancia Colombia 2009 --ninguna relación con este blog, mera coincidencia, aunque tal vez quepa aclarar que Caja de Resonancia existe desde el 2005-- que se celebrará entre lunes y martes de la próxima semana. Se trata de una serie de mesas redondas y conversatorios a los que puede asistir cualquier siempre y cuando se inscriba a través de la página web.

A los organizadores les pareció chévere la idea de invitarme como panelista --¡ya ponen a cualquiera frente a un micrófono!-- para hablar acerca de medios y promoción musical en uno de los casi 20 conversatorios planeados por Resonancia Colombia. Estaré a las 10:20 a.m. del lunes junto a Mariangela Rubini (Revista Shock), Álvaro 'el profe' González (estación Radiónica), Liliana Andrade (El Parlante Amarillo) y Diego Carvajal, productor del portal Vive.in.

El beneficio de todos estos conversatorios puede ser grande siempre y cuando se tomen apuntes serios y no se convierta exclusivamente en una especie de batalla de exorcismos de frustraciones personales --en este tipo de charlas, suele pasar que le gritan al señor de Sayco o señalan con el dedo acusador a las emisoras y, por supuesto, también a los periódicos--. Las discográficas suelen hablar de la crisis; los artistas, de que no les paran bolas y que tienen que sacrificar su imperio creativo, y los medios, de que algo les falta para hacer lo suyo... Ojalá haya crecimiento detrás de este evento. Qué bueno que todos podamos corregir a futuro la forma en que trabajamos con la música.

Suerte y pulso.

Estas son las cajas que comenzarán a circular a partir de mañana:

La de la izquierda es la edición en versión estereofónica, tomada de las cintas master originales de Apple Records. Una locura. Hicieron un proceso de recuperación y fueron calculando, punto por punto, qué había que mejorar con la tecnología de hoy en día. En algunos puntos de las cintas se acumuló una porción de polvo que fue retirada y, en algunos casos, cada detalle de la grabación que por motivo de esas tecnologías de la época se pudo registrar en el momento, no fue como tal modificado. Interesante. Hay que ver cómo fue el resultado.

Por otro lado, circulará una versión monofónica, para coleccionistas, más costosa y con un empaque que intenta emular la sensación de las bolsas de los vinilos.

Es precisamente la caja que vemos bajo este párrafo. Creo que lo que hace posible semejante fenómeno es que la música de los Beatles está cargada de atemporalidad. Le pertenece a todas las décadas. No suena añejo como oír a los Doors o a The Kinks o Iron Butterfly y saber que todos esos teclados o esa forma de interpretar el órgano o la guitarra tienen la etiqueta "años sesenta". Pero más allá de eso, la apuesta de comercializar una caja de estas en grande y no solo como una rareza para coleccionistas, y más en esta época en la que sería muy fácil bajar ilegalmente la música de los Beatles, permite pensar que nos enfrentamos a un sentido de pertenencia e identidad con los Beatles imposible de superar. ¿Es acaso los Beatles otro bien común de la casa, como el sofá o la mesa del comedor?

Más allá de cuál sea la respuesta, es emocionante volver a ver a los Beatles en las carátulas de las principales revistas. Aquí está la edición especial de NME. Por otro lado, Pitchfork abre su edición digital con un especial interactivo de reseñas de los álbumes, desde el Please Please Me. La Rolling Stone Magazine se muestra menos emocionada, pero igual tiene en su primera página un gracioso módulo de encuesta con la pregunta "¿Quién es tu beatle favorito?"

A todas estas, he estado en un ejercicio simpático estos días, escuchando dos selecciones retrospectivas de los trabajos en solitario de George Harrison y Ringo Starr.

La primera, titulada 'Songs By George Harrison', es muy buena aunque también muy obvia: comienza con 'Got My Mind Set On You'. Es como apuntarle al gran éxito que tuvo Harrison dentro de la esfera más comercial de los años ochenta, su gran apunte radial. A mi no me emocionó eso, pese a que tengo buenos recuerdos de juventud con esa canción. Cosa contraria pasa en el transcurso del disco, cuando se introduce a las canciones del gran álbum 'All Things Must Pass'. Por supuesto, también incluye esas inolvidables 'My Sweet Lord' y 'What is Life'.

A la mitad, el disco se convierte en un nuevo viaje. Incluye cortes del último y muy aplaudido álbum 'Brainwashed', que se publicó 2002 gracias al esfuerzo de culminación de Jeff Lynne [para hacer memoria, es el mismo de Electric Light Orchestra]: 'Marwa Blues', 'Rising Sun' y 'Any Road'. Suma la canción que escribió con Bob Dylan 'I Don't Want To Do It'. Y además, trae versiones en vivo de George Harrison en solitario de 'While My Guitar Gently Weeps', 'Something' y 'Here Comes The Sun', las tres hermosas.

Esta es una muestra de lo que es 'Marwa Blues', ese último regalo de Harrison:

Por otro lado, le doy vueltas a 'Photograph: the Very Best of Ringo', que requiere una atención especial. Es una completísima mirada a todos los discos del ex baterista de los Beatles.

Hablar de éxitos sería un poco extraño. Ninguna canción es en realidad un éxito, pero todas tienen el encanto vocal del "octopus garden". Hay un sarcasmo implícito en canciones como 'I'm The Greatest', escrita por Lennon -aquí además toca el piano y hace la voz acompañante, con George Harrison en las guitarras-.

Sin embargo, lo más simpático puede ser la versión de 'Only You', que grabó en 1974. Esta también tiene a John Lennon, en este caso en la guitarra acústica.

Otras canciones están cargadas de ritmo y poder, como 'Back Off Boogaloo' o 'Snookeroo' -original de Elton John y Bernard Taupin, y teniendo al mismísimo Elton en los teclados de esta versión-, pero algo le faltan para que uno se sienta involucrado. Excepto, hay que decirlo, la canción 'Weight of the World' -compuesta por Brian O'Doherty y Fred Velez-, de 1993, que fue tal vez lo más cercano a un éxito. Aquí la canción, con un video montado por un usuario de youtube:

Es una casualidad. Mientras escribo este post, veo en Twitter que en Radiónica están hablando de algo parecido, haciendo cuentas sobre su beatle favorito. Si me preguntaran el mío, yo debo decir que sigue siendo John Lennon, pese a todo o gracias a todo. George Harrison era el de la música más hermosa, lo que escribió paso a paso fue genial. Pero Lennon tenía el poder de transmitir ideas con capacidad de trascender. Eso es muy valioso.

El video juego Rock Band... la locura 

Al mismo tiempo con la reedición, sale el videojuego. En primera instancia, uno podría pensar "bah, qué feo, convertir la música de los Beatles en una máquinita de juguete que venda millones de dólares en todo el mundo y engrose las arcas de un poco de gente". Si, sería una forma de verlo. Yo creo que hay que relajarse: el juego parece hecho con un gran respeto y amor por su música. Y si logra volver a transmitir su mensaje y su mística a gente muy joven, pues bienvenido. Así como la película 'Across The Universe' logró inspirar a mucha gente joven, pues un videojuego lo hará incluso con niños.

Por otro lado, es inevitable para los que crecimos con los Beatles y luego nos desentendimos para irnos a tantas otras esferas musicales, el volver a acercarnos con esta ola. Qué rico reenamorarse de nuevo con ellos.

Supongo que ya han visto la recreación animada original que hicieron para la promoción del juego, pero si no, acá está:

La corta película animada que realizó Passion Pictures deja un final que sugiere varias cosas... ¿Cómo será el final del juego? ¿Qué pasará? ¿Por qué el elefante camina hacia el fin de la meseta y el comienzo de una caída que parece sin fin? ¿Es así como acaban los Beatles en un juego animado? Hay tantas miradas posibles...

¿Quieren ver cómo es el juego? Es de locura... el blog de videojuegos 1UP!, de Alejandro Cifuentes -y además amigo resonante-, presenta esta reseña del nuevo Rock Band. Aquí, una captura del juego en acción, en pleno show de Ed Sullivan:

Apasionante.

Suerte y pulso.

Hoy, además, un poco de muy buena música de un monstruo de la percusión, el señor Yoshida Tatsuya... que lo disfruten.

Yoshida Tatsuya, en el quinteto Koenji Hyakkei.

Foto tomada de Flickr, autoría de Ranti Junus (autorización bajo licencia creative commons).

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Peter Hook, tremendo como músico... ¿Qué tal será como DJ?

Partamos de que no me gusta usar el calificativo 'malo', para ningún caso, que utilicé en el título...

Leía ayer un comentario bastante duro de un lector de Vive.in en un artículo que escribí para El Tiempo acerca del bajista Peter Hook. El británico, que llega a Bogotá para ser el "pinchadiscos" de una noche en el piso 30 del Centro Internacional Tequendama este sábado, promete poner música al estilo The Hacienda, el bar de Manchester que él administró y que es la fuente de encuentro de New Order, además de una de las inspiraciones de la película '24 Hour Party People'.

Decía el autor del comentario, con un tono un tanto abusivo pues se está refiriendo a una leyenda, algo que en el fondo merece total consideración por quienes piensan ir a esa rumba:

• "Ese man (refiriéndose a Hook) es muy maaaalo!! llega con los cds ya mezclados y el resto es puro paro!! si no me creen vayan a youtube y miren los videos ... es el mismo set jajaja"

Se refiere, por supuesto, al DJ set que trae Hook a esta mentada fiesta. Yo cumplo con la tarea de mostrar los dos lados de la moneda, la de Peter Hook como el tremendo músico que es, y esta que propone el lector, que pese al tonito, se debe tener en cuenta.

Creo que para quienes esperan ver a un DJ en el sentido un tanto escalofriante de aquel personaje tipo Tropical Cocktails que mezcla chispum con chispum y más ruiditos y efectos que una maquinita de Videoplay con la pomposa imponencia de un sacerdote de misa negra, Hook va a ser una terrible decepción. En esta reseña de un show en México lo tratan como un "Fake DJ". Es que se trata de un señor de más de 50 años poniendo música premezclada, es decir, varios discos que va rotando sin mayor esfuerzo. No hay samplers, no hay loops, no hay cosas de esas. Para ese tipo de espectadores, hay que anunciarles que próximamente viene DJ Tiesto a Colombia.

El señor Hook pone discos, es lo que hace. Lo importante es ver qué va a poner... y en ese sentido, según lo que me comentó en la entrevista, el set es buenísimo, pero lo que ve uno en el video que propone el lector, no es muy inspirador. 

Un amigo que sabe muchísimo de música y que le encanta la movida New Order y Joy Division, me decía hace poco, con justa razón, que no le llamaba mucho la atención la idea de si lo del sábado iba a ser una rumba electrónica tipo rave interminable, desfile esnobista de pepas y fachas. Es cierto. Sería un poco horrible ver eso bajo las notas de Joy Division.

¿Por qué es importante Peter Hook?

Estamos hablando del bajista fundador de una de las bandas más importantes en Reino Unido, no tan reconocida acá como las celestiales Led Zeppelin y Pink Floyd, pero decididamente tan influyente en los sonidos del rock británico actual que se le acercan a los Beatles. Estamos hablando de Joy Division:

Finales de los años 70. Apenas estaba en auge el punk y ya había una movida post-punk, protagonizada por este cuarteto. Lo que proponía en su momento tomaría 30 años después las formas de muchas bandas como las que idolatramos hoy, desde Franz Ferdinand hasta los White Stripes.

Hook se ponía el bajo en las rodillas como una especie de firma artística. Ian Curtis resultaba un frontman inolvidable. Dos años después se iba a escapar de este planeta

Ya, luego de la partida de Curtis, las cosas cambiarían muchísimo para la gente del círculo de Factory Records, el sello, y The Hacienda, la discoteca establecida en una bodega industrial que se convirtió en sitio de peregrinación y además en cuna de los raves. La cosa se volteó hacia la electrónica, y Joy Division se transformó en New Order --Peter Hook fue administrador de The Hacienda a finales de los años 80 y fundador de New Order--:

Aquí, una grabación del reencuentro de New Order, con Hook --ya panzón y bonachón-- en el bajo:

Luego vinieron más proyectos: Monaco, entre otros tantos. Tras el éxito de las películas 'Control' y '24 Hour Party People', se reactivó la fiebre por Joy Division y New Order. También por The Hacienda, cuyo edificio fue demolido en el 2002. Entonces Hook, que no es tonto, aprovechó para montar una gira mundial imparable de rumbas hasta el desmayo que se llama 'The Hacienda World Tour', que es lo que trae a Bogotá.

Por todo lo que vimos, me parece insólito que alguien se refiera a Hook como "ese man tan malo"... pero claro, siendo objetivos, si lo que la gente quiere es el DJ Tiesto, definitivamente Hook no es eso.

Qué dice Hook

Hace como semana y media hablé con Peter Hook. El tipo estaba en Mayorca, si mal no estoy, dándose unas vacaciones de relajación. Me dio 15 minutos porque, dice, "mi señora me dio permiso". Y esto fue más o menos lo que dijo --lo parto en ideas, para que sea más práctico para ustedes--:

* Qué es lo que va a sonar en el set de The Hacienda en Bogotá, según Hook:

* La importancia de Joy Division hoy en día:

* Lo que más recuerda hoy de The Hacienda: ¡Las cuentas!

* Cuál  era la importancia de The Hacienda: "Si New Order hubiese sabido cuán filantrópico iba a ser The Hacienda, no le habría gustado", dice Hook

* Cuál fue en su opinión el mejor frontman que se paró en las tablas de The Hacienda: "Bez, de Happy Mondays".

Ustedes, amigos lectores, saquen sus conclusiones... ¿Vale o no la pena ir? ¿"Ese man es maaaalo"? Compartan su opinión en la cajita.

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Yoshida Tatsutya y la música 'zeuhl'

Lo que vamos a escuchar es tal vez un poco salido de lo común del blog, pero me llamó la atención mostrarlo hoy porque ando por estos días como en ese "mood", con ganas de escuchar este tipo de cosas.

Voy a contar el trasfondo de la forma más rápida posible: Un percusionista avant-garde francés llamado Christian Vander creó un lenguaje hablado y escrito que se llama "Kobaïan". La nueva lengua se convirtió además en la marca de su música. Algo parecido con lo de Sigur Rös. Dentro de esa lengua está el término "zeuhl", que significa "celestial". El término se acuñó también como el nombre de una corriente musical cercana al rock progresivo y a la fusión jazz-rock que encontró eco en bandas francesas y de países vecinos de Europa, todo eso a mediados de los setenta, pero la cosa se extendió luego a Japón, con varios años de diferencia, lo que le dio continuidad a esta movida. Uno de esos artistas del ala japonesa es el percusionista Yoshida Tatsuya.

Cada proyecto de Yoshida Tatsuya [ MySpace ] parece envuelto en una mística avasalladora. Es tal vez el disco 'Nivraym', del 2008, del que podemos escuchar esta muestra, uno de sus más interesantes aportes con el quinteto Koenji Hyakkei. Otro proyecto un poco más "volado" de este quinteto se encuentra en este blog, su álbum debut de 1994. Referencias de su discográfica, aquí.

Algunas fotos de Koenji Hyakkei en concierto, tomadas por Ranti Junus, en esta galería de Flickr (licencia creative commons):

Uno de sus trabajos más recordados se titula 'Ruins', que al parecer, suele interpretar en solitario:

Esto es Koenji Hyakkei, en vivo, en Tokio:

Y esto:

De Tatsuya se encuentra uno rastros muy interesantes en la web (estas curiosas fotos del Japanese Music Festival Europe 2003, o estas de una gira musical con el colectivo Acid Mothers, resultan muy provocadoras), de lo que ha sido todo su recorrido en la música, de esa búsqueda de avanzada, de nuevos caminos que lucen refrescantes. Ya no más repeticiones de acordes obvios, qué rico encontrarse con estas vainas.

Tatsuya fue uno de los alumnos indirectos del gran músico John Zorn -tocaron juntos-, una de las mentes prodigiosas de la vanguardia sonora mundial y a quien hemos mencionado acá apenas con una mirada de reojo pero merece más de un post completo.

A continuación, una muestra de lo particular que hace Tatsuya, junto a los guitarristas Keiji Haino (con el que ha trabajado en varias ocasiones) y Makoto Kawabata -para los lectores a los que al comienzo les parezca horrible, les aconsejo esperar al segundo 2:05-:

El reciente trabajo de Yoshida Tatsuya se titula 'Sax Ruins / Yawiquo' y fue hecho en conjunto con la saxofonista Ono Ryoko. De este proyecto se puede leer más acá. Es una aproximación más cercana al jazz (en su myspace se puede escuchar algo).

Entre tanto, de sus trabajos con jazz, uno que encontré en Youtube y que me llamó mucho la atención fue este, 'Westerlies', de 2004, junto a la pianista Satoko Fujii:

¿Qué tal?

Suerte y pulso.

Pero antes de entrar en detalles sobre Kiss y Muse, me gustaría que me contaran sus impresiones sobre este híbrido particular, similar al que alguna vez reseñamos de Matisyahu con Crystal Method, que protagonizan Major Lazer (trip hop) con Santigold (dub y electrónica) y el MC Mr.Lexx. Se titula 'Hold The Line' y hace parte del álbum debut de Major Lazer titulado 'Guns don't kill people... lazers do' que salió al mercado en junio:

El personaje ficticio de aspecto jamaiquino es el Major Lazer, un comando que perdió su brazo en una guerra zombie en 1984 y ahora es un renegado deambulando por ahí con una super arma insertada en el brazo.

Cierto es que el video parece hecho por la gente de 'Zape Pelele', ¿no?

Aquí algún adelanto de las canciones de Major Lazer:

A poca gente le ha gustado. A mi me parece que funciona bien para una rumba en casa... Supongo que la mezcla trip hop con dancehall y MCs estilo buju banton puede sonar complicada. Me gustaría saber qué opinan ustedes. 

MUSE  |  The Resistance

[ Player virtual 30 segundos cada canción ]

[ Descarga de dos canciones completas: 'Uprising' y 'United States of Eurasia' ]

* Para estar informados de cada nueva noticia sobre este álbum, esta es la página.

Promete mucho el nuevo álbum de esta banda que se ha hecho querer de los colombianos y a la que hay que apuntarle porque vuelva. El trabajo 'The Resistance' estará en tiendas en septiembre de este año, pero ya hay algunos adelantos.

La canción que seguramente será sencillo en algún momento, 'I Belong To You' es más o menos la mirada convencional de Muse en muchas de sus canciones más populares, por lo que la línea continúa: mezclando canciones pegajosas con sofisticadas piezas instrumentales. La canción que sí busca convertirse en esencial para el iPod en momentos de alta sensibilidad o de viaje por carretera parece ser 'Guiding Light'.

La exhuberancia discursiva y sonora promete radicar principalmente en la sinfonía de tres movimientos (cortes) 'Exogenesis', que cierra el disco. Por supuesto, 'United States of Eurasia' es otra diatriba de Bellamy contra los gobiernos y los poderes sobre la tierra.

Algunos críticos que se han acercado al material ya les han dado palo por buscar parecidos sonoros con Queen. Yo no lo veo para nada grave, ya que quienes han intentado parecerse a Queen terminan fracasando miserablemente, mientras que si Muse está optando por ese camino, lo hace con mucha gracia y sale muy bien librado. Aquí están los comentarios  de cada canción que la gente de Muse transcribió de las opiniones de un blog al que al parecer le atribuyen mucha credibilidad.

Esto es 'Uprising', el primer corte, liberado por Muse, que tiene su toque glam con esos aplausos que van marcando el ritmo:

El otro corte liberado hace ya algunas semanas es 'United States of Eurasia', con una indudable y muy emocionante referencia sonora a Queen:

¿Qué tal les suena?

KISS  |  Sonic Boom

[ Página oficial - stream automático ]

Si todo el álbum 'Sonic Boom', el nuevo trabajo en estudio que augura salir en octubre, va a ser como 'Modern Day Delilah', la nueva canción en streaming que la banda ha puesto en su página web, valió la pena la espera de 11 años desde 'Psycho Circus', su anterior disco con material original. La explosividad y una aparente recarga de energía revelan buenos vientos.

Por supuesto, habrá que escucharlo todo... Ya Gene 'midioseselverde' Simmons, quien acaba de cumplir 60 años de edad, dijo que este disco es lo mejor que han hecho desde 'Destroyer'. Por su lado, el baterista Eric Singer ya promete que todo es dinamita: "No hay baladas, no hay canciones lentas..." afirma en el promo.

Esto es 'Modern Day Delilah':

'Sonic Boom' saldrá al mercado a nivel mundial. Ya se sabe que la edición para Estados Unidos, Canadá y Europa -y esperemos que sea la misma para Suramérica- contendrá además un cuadernillo de 20 páginas, un CD adicional de grandes éxitos y un DVD con el show en vivo en el estadio de River de Buenos Aires de la gira 'Kiss Alive 35' (la que pasó por acá).

La página publica además una reseña canción por canción, realizada por Mark Eglinton, que es como un abrebocas de lo que se viene pierna arriba. Algunos títulos son graciosamente comparables: 'I'm An Animal' trae recuerdos del 'Public Animal No.9' de Alice Cooper, mientras que 'Hot And Cold' llega el mismo año del éxito de 'Hot N Cold' de Katy Perry.

Por favor, arrojen sus opiniones.

Suerte y pulso.

Les Paul, el inventor de las guitarras Gibson Les Paul.

El impacto de la obra del inventor y músico Les Paul, fallecido el pasado jueves, es incalculable. Recuerden a casi todas las leyendas de la guitarra rock, y deténganse a hacer memoria de sus estampas, siempre firmes a estos palos que llevaban la marca de su inventor. Fue este hijo de inmigrantes alemanes el que le brindó la potencia y la variedad al rock: antes de que llegaran sus guitarras, tal vez no había forma de hacer todo lo que con ellas se hizo después.

La Gibson Les Paul, reconocible en cualquier parte (como la que aparece al lado derecho de este texto) es la piedra angular de la colección de guitarras de la marca Gibson. Fue diseñada por Les Paul, contratado en ese momento por la firma que presidía otro diseñador llamado Ted McCarty, y lleva el nombre de la legendaria figura porque sería insólito que llevara otro.

La suerte de la Gibson Les Paul también sería oscura: estaría destinada a ser partida en múltiples ocasiones por el señorísimo Pete Townshend, una escena que combina éxtasis con dolor. También, a ser consumida por las llamas en medio de las invocaciones de Jimi Hendrix.

La cosa con la Gibson Les Paul llega a tal punto que en la obsesión del mercado de las guitarras para XBox, las emulaciones de su diseño se han convertido en una especie de arte. A la izquierda, una Les Paul para consolas de videojuegos.

El mejor obituario que he encontrado hasta el momento es precisamente el que le hace la marca Gibson en su página web. 

Como músico, también tuvo su reconocimiento, al punto de ganar hasta premios Grammy. Pero por supuesto, su faceta como inventor será la que se recordará por siempre.

Para medir medianamente el alcance de la influencia de Les Paul, este fragmento documental ayuda muchísimo:

Él y Leo Fender (fallecido en 1991) se convirtieron cada uno por su lado en los dos titanes de la manufactura de guitarras para todo el mercado. Primero, a través de los artistas country y bluegrass, y luego por los caminos del rock surf (especialmente Fender, quien diseñaba guitarras para Dick Dale)

Aquí, un apasionante fragmento del documental Chasing Sound!, en el que el músico le explicaba al mundo en los años 50 cómo iban a funcionar algunas de las técnicas de grabación en cinta que estuvieron vigentes por muchos años y en las que Paul también tuvo responsabilidad:

Les Paul estuvo tocando su guitarra hasta el final, amaba lo que hacía, como lo recuerda en la última entrevista que le dio a la revista Rolling Stone, y se gozaba el resultado de su oficio:

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¿Música por inoculación? 

Me disculpo con ustedes, lectores, por la prolongada ausencia de casi 10 días. Me encontraba de viaje por el Putumayo, haciendo un reportaje, y tuve que desconectarme de todo, a tal punto que la noticia del fallecimiento de Les Paul llegó a mi apenas el domingo. Eso si, el recorrido fue apasionante, tuve acceso a comunidades indígenas que hoy siguen vivas pese a todas las intromisiones del mundo moderno. A una de esas, la del reguardo de Yunguillo, se llega después de caminar por tres horas entre piedras y lodo, y antes, en campero cerca de 40 minutos hasta donde pueda subir el vehículo.

Precisamente en ese campero de montaña tuve una percepción bastante triste de la forma como nos llegan muchas músicas. El conductor del carro había puesto en el radio lo que creo, era un CD de MP3 pirata que probablemente había comprado en el terminal, lleno de todo lo nuevo de las músicas populares. Y sonaba constantemente un vallenato de esta nueva tendencia de hacer versiones con solo voz y piano, como si fuera un formato de jazz de salón.

Todos los que viajábamos en el carro íbamos callados, como si regresáramos de algún velorio. Eran apenas las 9 de la mañana pero el ambiente se tornó gris. El viaje se hacía más largo. Era claro que la tonada solapada nos había apagado a todos apenas empezando el día. Yo me puse a pensar entonces cómo era posible que este tipo de música llegara a ese escenario.

Le pregunté entonces al conductor "oiga, ¿a usted le gusta eso?" y me respondió que si, aunque lo noté algo dudoso. Y aquel cantante que no sé identificar pero supongo que es una figura nacional del vallenato llorón, seguía en esas.

Creo que nos enfrentamos a una música por inoculación, es decir, inyectada en nuestro sistema como un gérmen. Se crea una moda en la industria de la música y se proyecta a través de emisoras y campañas comerciales; puede no gustar y sin embargo, inundar todo espacio en el que entra, incluso un campero campesino en el Putumayo medio. La cosa llega a tal punto que la gente termina escuchando algo que no le gusta, pero cree que le gusta porque es lo que está sonando en todas partes.

La percepción me dio vueltas en la cabeza durante el viaje, pues días atrás había oído otro caso que me causó impresión: una de las conductoras de una reconocida estación de radio les decía a sus colegas de La W que cuando saliera la nueva canción de Carlos Vives la iba a programar todo el tiempo, pero cuando le pidieron que describiera la canción, confesó que sólo había escuchado un fragmento de 30 segundos y que aún no tenía el mapa completo... ¿?

Volviendo al cuento del formato jazzudo forzado, este nuevo vallenato parece emular esa fórmula musical de salón que ha tenido mucho éxito en fusiones como la de El Cigala con Bebo Valdés. Exalta la voz, que va en un tempo más lento, y le responde el piano. El resultado parece ser un vallenato más romántico, más sentimental y 'abolerado'.

Me parece que detrás de estas adaptaciones hay un truco muy simple. Es fácil ajustar un fraseado de la voz sin los instrumentos. Por ende, si ven la estructura de estas versiones, lo que hay ahí es que el cantante lanza una frase en solitario, se calla, y luego entra el piano, haciendo una serie de acordes que suenan muy sentidos. Luego se calla el instrumento, y viene la frase vallenata. Así, cualquier adaptación ajusta.

Por supuesto, el vallenato no es el culpable (único) de la inoculación. Esa ha sido una estrategia de años y años, y que no nació en Colombia sino en la radio estadounidense. Hablamos también de Shakira y Juanes. Y el rock, en ese devenir, ha visto cómo se reblandecen sus bases para darles paso a sonidos precarios de sus herederos. La payola se inventó en Estados Unidos, cuando el rock se vio comercial y vendible.

Ojalá algún día acabe la inoculación. Sueño con un día en el que la gente escuche lo que quiere, no lo que le toca porque lo indujeron de manera inevitable. 

Suerte y pulso. 

Imagen del concurso de photoshop de freakingnews.com

Recordar es vivir, no siempre hay que estar hablando de banda nuevas ni de las más clásicas de los sesenta y setenta...

De esas agrupaciones realmente bonitas, de las que no esperas nada más sino que te acompañe en momentos cálidos -o en aquellos en los que necesitas calidez de algún lado- está The Ladybug Transistor [ MySpace ] , que no es ninguna novedad, tiene más de 15 años de existencia, pero siempre llegará como una buena brisa. Para quienes se aproximan por primera vez a esta banda, les recomiendo esta canción, 'California Stopover':

En noviembre de 2007, el crítico Tim Sendra publicaba en el blog de Allmusic.com su corto pero provocativo texto Tres razones por las cuales Brooklyn ya no es chocante. En él, daba una puntada de lo bueno que era el último disco, 'Can't Wait Another Day', de esta banda que hasta hoy no ha vuelto a grabar. 

De ese álbum de la banda neoyorquina, se destacó entonces su canción 'Always on the telephone', cuyo video es este:

Es probable que no volvamos a escuchar nuevos discos de la banda, pues congeló su producción tras la muerte por asma de su baterista Sam Fadyl, a finales del 2007. Siguieron haciendo unas giras en el 2008, pero hasta ahí, no se ha sabido más de su destino. 

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Aquí les dejo el trailer de la cinta que es una suerte de "documental fictício" acerca de las dudas que tiene una tierna gafufa -yo soy gafufo- acerca del amor:

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Radiohead estrena canción

De todos modos, también se puede escuchar en el streaming de Vive.in y aquí, en Youtube, pero dudo que perdure:

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Suerte y pulso.

Además, noticias de conciertos.

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No se trata de hacerle publicidad a una marca. Quiero aclarar, antes de que lean este post, que no tengo ninguna vinculación con Bang & Olufsen ni me va a dar algún descuento por escribir esto. Quiero contarles de estos equipos porque se trata de una experiencia melómana espectacular. Si tienen la posibilidad, vayan a la tienda y vívanla, un vendedor les permitirá conocer todo esto, así no compren nada.

¿Gigas y gigas de música en un pc que tiene, en términos prácticos, unos parlantes de mierda? Nada peor que acostumbrarse a escuchar música en sistemas que sacrifican toda la calidad. Los sistemas Bose de amplificación de los iPods son la solución natural, bien conocida, pero aún sigue pareciendo una instalación artesanal y se preocupa más por la movilidad del sistema y no por la presencia de un buen equipo en casa que distribuya la experiencia estéreo como debe ser.

La siguiente es una solución costosísima pero muy impactante de la marca danesa Bang & Olufsen que conecta el mundo de los abnegados melómanos protectores de la calidad de sonido con el de los obsesivos compiladores de MP3 que llenan discos duros de información (y cierto es que ese conflicto interno nos somete a muchos acá). Se trata del sistema BeoSound 5 [ demostración multimedia ] y ya se consigue en Bogotá, en una tienda que parece minúscula, al lado de los centros comerciales El Retiro y Andino.

Se trata de un gran disco duro de 500 GB visualizado por una pantalla que es controlada por el usuario a través de una palanca o 'jog'. El sistema operativo, que es de gran usabilidad y autonomía, organiza la música de una manera muy similar a como lo hace iTunes: despliega los 'cover arts', las carátulas digitalizadas de cada disco, y se puede buscar por artista, género, listas de reproducción, etc. La idea es navegar alrededor de todos estos menús.

Y así como otros sistemas ya conocidos en Internet, BeoSound 5 tiene algoritmos (llamados aquí MOTS) que van determinando las frecuencias de cada canción para que, si no quiero controlar el sistema, él simplemente lo haga a través de la intensidad de un ritmo. Que el proceso de inteligencia artificial haga el trabajo por uno.

El sistema tiene un control remoto muy avanzado que integra las opciones de navegación en él, pues incluso el mando a distancia tiene una pantalla digital de visualización de operaciones. Esto es importante por un lado, porque ante una cultura claramente sedentaria como la nuestra, en la que queremos aplastarnos en una silla a oír música, tal vez la idea de ir a la pantallita cada vez que queramos cambiar de canción no sea lo más interesante... pero imagínense una rumba en casa y la gente programando sus canciones con este jog en medio de la sala, ¿ah?

La idea del BeoSound 5 puede resultar un poco estrambótica: para qué gastarse tanta plata en un sistema de alta definición para reproducir archivos MP3, que es música que de por sí ya perdió los matices de la alta definición al ser comprimida en ese formato. Para eso, mejor comprar los discos originales. Pero por otro lado, se trata de la exaltación de la idea de que el mundo está cambiando, de que incluso quienes hacen algunos de los mejores sistemas de sonido en el mundo están trabajando en la experiencia del disco interminable, de la vida digital y de la transformación de la industria. Creo que lo bonito de fondo es que Bang & Olufsen entendió que el negocio se transformó.

Aquí, algunas bondades del sistema, según la reseña del programa Tech Talk:

El precio de los 9.000 dólares comprende la pantalla con el jog, el disco duro y los cables. A eso le falta entonces las bocinas, y si uno quiere meterse en un buen cuento con esto, hay que invertirle a un buen juego de parlantes. Así que el sistema puede resultar costando, según el vendedor, unos 24.000 dólares.

Estas son algunas de las bocinas que contienen, a la vez, los amplificadores del sistema:

- BeoLab 5

- BeoLab 3: Un sistema más sencillo y a la vez puede ser el mejor equipo que tengas en la vida. 250 vatios de potencia. Son pequeños, circulares (como los que aparecen en la primera foto del post) y tienen también un cubrimiento de 360 grados. Frecuencias de 50-20.000 hz. Si mal no estoy, el precio está por los 3.000 dólares, pero puedo estar equivocado.

- BeoLab 9: 2.400 vatios de potencia, también muy buenos, tienen una gama de frecuencia 30-20.000 hz.

- BeoLab 4000. Son los parlantes clásicos de la marca Bang & Olufsen que suelen acompañar al diseño más aplaudido de la marca, el equipo BeoSound 3200 que es lo más "recherché", es el que se abre con el acercamiento de la temperatura corporal. Si tuviera la plata, me iría por esa inversión.

Si quieren deprimirse, consulten las frecuencias de los parlantes de un minicomponente como los que solemos tener en casa. Para mayor información acerca de gamas de frecuencias, aquí explican qué es perceptible por el hombre y cuánto se va degenerando el oído con el paso de los años.

En el caso del tema MP3, lo que ocurre es que muchos de esos tonos que demandan espacio en la grabación de una canción son suprimidos de tajo, para que se pueda comprimir. Aunque muchos de esos tonos parezcan imperceptibles, hacen parte del ambiente de una canción, de cómo esas vibraciones nos rodean. Por eso, si uno concentra su percepción sonora, notará las diferencias. Y más con buenos parlantes que aprovechen esas calidades.

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NOTICIAS DE CONCIERTOS

Frente a los ya mencionados y comentados de Depeche Mode, The Killers, Skid Row, etc, ahora se conocen los siguientes programados que me parecen muy importantes:

11 de octubre, Teatro Metropol: Killswitch Engage. Importante banda de metal de Boston llega a Bogotá para un concierto crucial en la estela evolutiva del género. La chiva la tuvo el blog Rockoso.

Suerte y pulso.

Y al finalizar, me tomo la libertad de meterme en algo de cine... el remake de 'Tron'.

Mike Relm, dj y turntablist

A mi me apasiona ver cuando se saca música de donde no hay. En eso está el arte del mash-up, es decir, de hacer una mezcolanza visual y sonora al borde de la esquizofrenia. Esto es, de la banda Fall On Your Sword [ MySpace ], liderada al parecer por un particular "trekkie" aferrado a sus máquinitas de mezclas, la genial 'Shatner Of The Mount', inspirada en un documental acerca de Star Trek V: The Final Frontier´´:

Maravilloso William Shatner en su faceta cursi con "hacerle el amor a la montaña"... Y a continuación, otra de las canciones de Fall On Your Sword, 'Back To The Ship'... que no necesita mayor explicación:

Acudiendo de nuevo a la memorabilia, Fall On Your Sword creó el siguiente video con las bases de un montón de recuerdos televisivos -entre esos, los intros narrados por John Ashley- que, me imagino, muchos de ustedes reconocen. Esto es 'Powerless Man':

Creo que esto es lo mejor que puede hacer musicalmente David Hasselhoff, con las respectivas disculpas a su gran fanaticada alemana.

Otro experimento interesante es el del vj, maestro del turntablism y director Mike Relm [ Imdb  / MySpace ] y el mix que hizo con una corta escena que le dio la vuelta al mundo, el pequeño acontecimiento en el que Barack Obama extermina a una mosca. Pongo el link al video original y a continuación, el mix de Relm:

Relm es reconocido, entre otras cosas, por un show llamado 'Clown Alley' que surgió al ir de gira junto al Blue Men Group. Esto es parte de 'Clown Alley'...

Relm también es popular por su versión sonora de Tron  , que no hay que confundir con otra gran noticia: Daft Punk hará la banda sonora del remake de la película 'Tron', para el 2010, del cual este es su trailer promocional:

¿Qué tal? 

Suerte y pulso.

Además, las nuevas canciones de Pearl Jam y de Gustavo Cerati. 

Christian: So long, rock on

En el 2008, conocimos a Christian (Christianjrb, su nickname en este blog) en uno de los encuentros de amigos del blog. Era la tercera vez que nos reuníamos, así que casi todos nos conocíamos previamente, pero era la primera vez para él. Como era una especie de 'cita a ciegas', o un encuentro similar al de los 'trekkies', donde todos se presentan por sus nicknames, el EsquizoRock llegó tímido a nuestra mesa, a preguntarnos si éramos nosotros los de la resonancia. - "¡Claro, bienvenido!".

Estas son algunas fotos de esa noche que tomó el amigo José Luis (JL), quien había llegado de Argentina:

Minuto a minuto, Christian se fue soltando. Nos contaba de sus melomanías y melopatías, era otro loco como todos los que estábamos ahí, enfermos por la música. Describió algunos viajes que había hecho para ir a ver bandas, pero especialmente, habló de los que planeaba hacer. Hablaba de rockabilly y de los discos por los que se había esforzado en conseguir. Y no ocultaba su postura radical ante la que calificaba como mala organización de los conciertos en Bogotá y, sobre todo, cómo lo ofendía que metieran buenos grupos en el Coliseo El Campín, al que insistía en llamar "el tarro de galletas".

Transcurría la noche y ya iban a cerrar Pizza1969. A riesgo de que la reunión se acabara, Christian propuso que camináramos hacia un bar al que parecía asistir cada rato, a veces solo o con quien se le midiera a acompañarlo: "¡Vamos al Sargento DoDo!", dijo.Ya de novato no tenía nada, ya era parte del grupo. Y la pasamos muy bien, aunque el hecho de encontrarnos entre semana nos apagó a media noche.

Aunque algunos resonantes siguieron hablando con Christian, yo apenas intercambié con él algunos mensajes. El 31 de diciembre de 2008, si mal no estoy, nos encontramos en la calle. Era un año nuevo agridulce, la noche anterior le habían robado una maleta de 21 discos originales, entre esos el Vs. de Pearl Jam.

Fueron pocos los encuentros, pero suficientes para ver que Christian era un personaje lleno de sueños, que conservaba su visión idealista de la vida como pocos logran hacerlo, lo cual hacía muy valiosa su presencia, porque si no nos valemos del idealismo... ¿en dónde vamos a terminar?

En el mundo digital dejó sus huellas. Christian tenía un blog, el Anti-letrista, en el que manifestaba que lo inspiraba Fontanarosa. De manera cruel, fue Facebook el que nos enteró a los resonantes de su partida.

Este era un momento excitante para él. Pearl Jam, su banda favorita, había anunciado álbum en estudio, Backspacer, que saldrá al mercado en septiembre. Además, tenía programado ir a uno de los conciertos de la gira en Estados Unidos, al de San Francisco el 28 de agosto -ya tenía la boleta en sus manos y, por cierto, también tenía otra para ver a AC/DC- e incluso quería escribir una reseña sobre el concierto para compartirla en Caja de Resonancia, como se lo hizo saber a Liliana Flórez, otra amiga resonante. También le hablaba de escribir el Esquizoblog, un recuento del camino hacia Pearl Jam.

Ayer, 20 de julio, Pearl Jam dio a conocer el sencillo 'The Fixer' que revela algunas de sus nuevas energías. Christian, ahí te va, lo que estabas esperando, para que lo escuches desde allá arriba:

'The Fixer' es una canción fresca que renueva las energías del grupo. Tal vez por eso es el fixer, el sanador. Parece mostrar, en el mejor sentido de la palabra, una 'levedad' espiritual en el grupo que ha hecho viajes oscuros al interior del alma y ha vuelto.

Algunos críticos podrían decir, sin estar necesariamente equivocados, que es una canción comercial. Seguramente lo es, responde a un formato radial... ¡Bahj! ¿Y qué? Todo es comercial, de una u otra forma, y si hacer esta canción le permitía a Pearl Jam volver a figurar en la radio, pues bienvenida, así será una píldora rockera sonando por ahí. Eso está bien, creo yo. Habrá que esperar a oír todo el disco, en septiembre.

Lo que no puede ocultar Pearl Jam es el lenguaje sonoro indie de los 90. Es curioso porque, si bien transmite la idea de que la banda se refrescó, por otro lado acude a la rítmica guitarrera convencional y al estilo vocal de entonces. Es una píldora de antaño, pero no es 'Ten', definitivamente...

Y la letra... lo que más me impresiona de la letra es que, no sé si estoy exagerando o ajustando las ideas por capricho para que así parezca, pero parece un mensaje para Christian, un pelao que pudo vivir muchas cosas, momentos muy felices en torno a la música... para quienes lo conocieron, para sus amigos y cercanos, guardamos esos buenos momentos como un tesoro, y qué bueno podría ser volver a vivir con él todo eso, rescatar aquel último momento, porque, como dice la canción, puede ser el último de nuestras vidas:

When somethings broke I wanna put a bit of fixin on it
When somethings bored I wanna put a little excited on it
If somethings low I wanna put a little high on it
When somethings lost I wanna fight to get it back again
Yeah Yeah Yeah Yeah
Fight to get it back again
Yeah Yeah Yeah Yeah

When signals cross I wanna put a little straight on it
If theres no love I want to try to love again
Ill say your prayers Ill take your side
I'll burn as a way to make light
I'll dig your grave
We'll dance and sing
What's saved could be
One last lifetime

Yeah Yeah Yeah Yeah
Fight to get it back again
Yeah Yeah Yeah Yeah

Mucha suerte y pulso, Christian.

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Gustavo Cerati tiene nueva canción. Se llama 'Deja Vu' y se puede escuchar aquí, mientras que esta es la letra. Abandona un poco la línea rock que condujo sus últimos trabajos y se vuelve a involucrar en el pop, menos guitarra, más melódico y muy radial. Sin ánimo de ofender a nadie, creo que la frase que dice "esta canción ya se escribió" ajusta bastante bien como una descripción del nuevo sencillo.

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 Suerte y pulso.

COLDPLAY NO VIENE A COLOMBIA ESTE AÑO. Ayer, Juan Pablo Ospina, el empresario opcionado para acordar la venida de la banda británica a Colombia, supuestamente para noviembre de 2009, me confirmó algo que había adelantado ayer en la mañana Alejandro Marín en su espacio The Music Pimp... Coldplay aplazó toda la gira por Suramérica, no vendrá al continente este año, pues Chris Martin decidió tomarse unas vacaciones. La decisión fue irrevocable y no hubo nada que hacer. Lo más probable es que la retome a comienzos del 2010, lo que coincidiría con la puja por Metallica que tienen entre manos las empresas Shows Business & Entertainment y Evenpro. Ya es sabido que es difícil para un empresario lanzarse a hacer los dos mejores conciertos del año casi simultáneamente. Ojalá esto no trunque ninguno de los dos shows.

Yo confieso que no soy muy allegado a Coldplay, me gustan los primeros álbumes. De todos modos, hay que echarle buena vibra a que se de este concierto, ojalá sus fanáticos no se queden con los crespos hechos.

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Cómo llegar a Frank Zappa

Para mucha gente, su primera experiencia con Frank Zappa ha sido frustrante. Los hizo sentirse ignorantes la idea de que por qué a los que hablan de la historia del rock lo alaban tanto y cuando llegaron a su música escucharon una serie de pitos sin ton ni son con la cual era imposible hacer conexión. Esta experiencia la he escuchado de mucha gente y me parece comprensible, pues Zappa tiene muchas aristas y poco de lo que hizo lo hizo pensando en si iba a gustar a una buena cantidad de gente. Casi todo lo que hizo lo hizo porque quiso.

Pero hay que rebuscar en su discografía para encontrar puntos cruciales, lados diversos. Está el comediante, está el rockero, está el jazzista y el músico sinfónico. Está el virtuoso de la guitarra. Está también el cantante y compositor. Están todos esos... y lo que quiero mostrarles acá es una serie de recomendaciones que quiero hacerles para acercarse a Zappa por el lado correcto.

Por fortuna, el esfuerzo de Rykodisc logró reunir todos sus álbumes y además, en el interior de cada disco, viene un cuadernillo explicativo que también ayuda muchísimo al nuevo oyente de Zappa.

Estas son mis recomendaciones de acercamientos:

LOS COMPILATORIOS / LOS DISCOS MÁS COMPLETOS

Creo que al ser una selección de casi 60 discos, debían escoger muchas cosas, y para meterlas todas en un disco, optaron por las grabaciones cortas exitosas. Es decir, aquí no se encontrará nada particular en vivo o alguna grabación en la que las bromas fluyan por espontaneidad, que era algo especial en Zappa. Qué decir, es algo "estrictamente comercial"...

Como dato bonito, uno de los músicos invitados es el señorísimo Jack Bruce, el de la banda británica Cream.

En este álbum, las referencias sexuales son muy obvias, algo que luego tuvo que ver con toda esa pelea de la que hablábamos en el pasado post.

Aquí interpreta entre otras canciones, 'Penguin In Bondage', 'Son of Orange County', 'More Trouble Every Day', 'Village of the Sun'.

PARA LOS QUE BUSCAN LA ESENCIA ROCKERA